o reino das sombras

Um retrato histriónico da protecção de menores

2012-01-26T16:52:00.000Z

Esteretrato do quotidiano profissional e pessoal de uma equipa de polícias daUnidade de Protecção de Crianças e Jovens compraz-se em pouco mais do quehistrionia e exibicionismo. Polissia,da actriz e realizadora francesa Maïwenn, é ainda superficial na sua visãoredutora da protecção de menores como limitando-se quase unicamente a casos doforo sexual. Venceu o Prémio do Júri em Cannes.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

POLISSIA(POLISSE)

Realização:Maïwenn

Intérpretes:Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs, Maïwenn

Género:Drama

Origem:(França, 2011)

Distribuição:Midas Filmes

Classificação:(4/10)

David Fincher continua fiel às suas obsessões

2012-01-19T19:01:00.001Z

Baseado no primeiro livro da trilogia best-seller do sueco Stieg Larsson, Millennium 1 – Os Homens Que Odeiam asMulheres é a versão americana de uma história já filmada em 2009 por NielsArden Oplev. O melhor do filme é a dinâmica entre o jornalista Mikael Blomkvist(Daniel Craig) e a hacker gótica e“robótica” Lisbeth Salander (Rooney Mara), enquanto resolvem o mistério policial através deobsessivas pesquisas.

(Texto originalmentepublicado no Diário de Notícias)

MILLENNIUM 1 – OS HOMENS QUE ODEIAM ASMULHERES

(MILLENNIUM 1 – THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO)

Realização: David Fincher

Intérpretes: Daniel Craig, Rooney Mara,Christopher Plummer, Stellan Skarsgard, Robin Wright

Género: Drama/Policial

Origem: (EUA/Suécia/Reino Unido/Alemanha,2011)

Distribuição: Warner Tristar Columbia

Classificação: (7/10)

As prostitutas tristes de Bertrand Bonello

2012-01-12T15:16:00.000Z

Orealizador francês Bertand Bonello (OPornógrafo, 2001) volta a filmar o mundo do sexo, mas aqui em chave defilme de época. Retrato do quotidiano de um bordel parisiense nos alvores doséculo XX, Apollonide – Memórias de UmBordel é um olhar ocluso e trágico (mas também agressivo e sórdido) sobre atristeza do prazer sem amor. Pena que esse olhar seja tão genérico e difuso.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

APOLLONIDE– MEMÓRIAS DE UM BORDEL

[L’APOLLONIDE(SOUVENIRS DE LA MAISON CLOSE)]

Realização:Bertrand Bonello

Intérpretes:Hafsia Herzi, Céline Sallette, Jasmine Trinca, Noémie Lvovsky

Género:Drama

Origem:(França, 2011)

Distribuição:Clap Filmes

Classificação:(6/10)

ANTEVISÃO: 'The Broken Tower', de James Franco

2012-01-12T15:01:00.001Z

A mulher-criança por trás do mito do cinema

2012-01-07T12:20:00.000Z

Baseadonas memórias de Colin Clark, este filme centra-se na fugaz e platónica relaçãoentre este (Eddie Redmayne) e Marilyn Monroe (Michelle Williams), durante asfilmagens de The Prince and the Showgirl (1957). Com uma estrutura detelefilme, A Minha Semana com Marilyn vale sobretudo pela interpretação deWilliams, capaz de preencher o mito com a devida vulnerabilidade humana.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

AMINHA SEMANA COM MARILYN (MY WEEK WITH MARILYN)

Realização:Simon Curtis

Intérpretes:Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Julia Ormond, Emma Watson, TobyJones, Judy Dench, Derek Jacobi

Género:Drama

Origem:(Reino Unido/EUA, 2011)

Distribuição:Zon Lusomundo

Classificação:(6/10)

"POST" DE ESCUTA: 'Born to Die', de Lana Del Rey

2012-01-04T13:10:00.001Z

OS MELHORES DE 2011

2011-12-25T13:53:00.000Z

1. ‘AÁrvore da Vida’, de Terrence Malick

2. ‘Carlos’,de Olivier Assayas

3. ‘Submarino’,de Richard Ayoade

4. ‘Mel’,de Semih Kaplanoglu

5. ‘É naTerra, não É na Lua’, de Gonçalo Tocha

6. ‘Sanguedo Meu Sangue’, de João Canijo

7. ‘OMiúdo da Bicicleta’, de Jean-Pierre e Luc Dardenne

8. ‘Inquietos’,de Gus van Sant

9. ‘HabemusPapam – Temos Papa’, de Nanni Moretti

10.‘CrazyHorse’, de Frederick Wiseman

Uma criança em perigo salva pelo amor alheio

2011-12-22T12:09:00.001Z

Osirmãos Dardenne já haviam tratado a rejeição paterna em A Criança (2005), mas em OMiúdo da Bicicleta (Prémio do Júri em Cannes 2011) fazem-no mais directamente,através da jornada de um rapaz de 11 anos que é “salvo” do desamor por umacabeleireira maternal que o protege. Simples, genuíno e sem adiposidadesverbais, este é ainda o filme mais optimista da dupla belga. Com Cécile DeFrance.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

OMIÚDO DA BICICLETA (LE GAMIN AU VÉLO)

Realização:Jean-Pierre e Luc Dardenne

Intérpretes:Thomas Doret, Cécile de France, Jérémie Renier

Género:Drama

Origem:(Bélgica/França/Itália, 2011)

Distribuição:Clap Filmes

Classificação:(9/10)

Exibição de 'gadgets' e veículo de Tom Cruise

2011-12-19T16:52:00.000Z

Apesarde dirigido pelo respeitável Brad Bird (Ratatui), a quarta parte destefranchise produzido e protagonizado por Tom Cruise não é muito mais do que ummeio de promoção do actor, e também um veículo de exibição de gadgetshigh-tech. Qual versão sofisticada de Jason Bourne, Ethan Hunt tem agora desalvar a sua agência de espionagem depois de esta ser acusada de um atentadoterrorista ao Kremlin.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

MISSÃOIMPOSSÍVEL 4: OPERAÇÃO FANTASMA

(MISSION: IMPOSSIBLE - GHOST PROTOCOL)

Realização:Brad Bird

Intérpretes:Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton

Género:Acção/Thriller

Origem:(EUA, 2011)

Distribuição:Zon Lusomundo

Classificação:(4/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-12-02T16:01:00.001Z

Wonders, extraído de Voyage, álbum de estreia dos The Sound of Arrows

O método perigoso de Lars von Trier

2011-12-01T13:21:00.001Z

Lars von Trier voltou a “usar” a sua depressãopara esta história de duas irmãs que enfrentam de forma paradoxal o fim domundo. Fica a sensação de que o cineasta dinamarquês anda a fazer“cineterapia”, mas Melancolia tem algum interesse como metáfora (saturniana eescorpiónica) de um estado mental. Com Kirsten Dunst (que ganhou o Prémio de Interpretação Feminina em Cannes) e Charlotte Gainsbourg.

(Textooriginalmente publicado no Diário de Notícias)

MELANCOLIA (MELANCHOLIA)

Realização: Lars von Trier

Intérpretes: Kirsten Dunst, CharlotteGainsbourg, Charlotte Rampling, Kiefer Sutherland, John Hurt, Udo Kier, StellanSkarsgard

Género: Drama/Ficção Científica

Origem: (Dinamarca/Suécia/França/Alemanha,2011)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (6/10)

ANTEVISÃO: 'Drive', de Nicolas Winding Refn

2011-11-30T17:25:00.003Z

A Igreja está moribunda e Freud já não serve

2011-11-24T13:33:00.001Z

Michel Piccoli encarna aqui um recém-eleitoPapa que, no momento de assomar à varanda da Basílica de S. Pedro, é tomadopelo pânico e foge das suas responsabilidades, tendo o Vaticano de contratarum psicanalista (Moretti) para tratar do caso. Através de um registo de comédiadramática, o realizador tece uma crítica a dois grandes logros: a psicanálise ea religião institucionalizada.

(Textooriginalmente publicado no Diário de Notícias)

HABEMUS PAPAM – TEMOS PAPA (HABEMUS PAPAM)

Realização: Nanni Moretti

Intérpretes: Michel Piccoli, Nanni Moretti,Margherita Buy

Género: Comédia/Drama

Origem: (Itália/França, 2011)

Distribuição: Midas Filmes

Classificação: (8/10)

ANTEVISÃO: 'Shame', de Steve McQueen

2011-11-22T13:35:00.001Z

A estranha beleza de um Almodóvar maduro

2011-11-17T15:31:00.001Z

O autor deste filme é um cineasta que percebemos cada vez mais negro etrágico (sem grande vontade de rir e ciente de que a vida, sob as suas “peles”ilusórias, é quase sempre pouco diferente de uma fita de terror). Inspirado numlivro de Thierry Jonquet, A Pele onde Eu Vivo marca o reencontro do realizador com Antonio Banderas, aqui umcirurgião plástico louco que opera uma vingança macabra.

(Texto originalmentepublicado no Diário de Notícias)

A PELEONDE EU VIVO (LA PIEL QUE HABITO)

Realização:Pedro Almodóvar

Intérpretes:Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes

Género:Drama/Thriller

Origem:(Espanha, 2011)

Distribuição:Pris

Classificação:(8/10)

Gus van Sant filma a morte como a maior graça da vida

2011-11-13T16:23:00.001Z

‘Inquietos’,o novo filme do autor de ‘Milk’, é um conto romântico sobre o amor ideal

O novo filme de Gus van Sant é descrito, em termos simples, como umahistória sobre um jovem casal de namorados com uma preocupação com amortalidade. A verdade é que o autor de Milk já havia abordado o tema dafinitude humana na sua denominada “trilogia da morte” – formada por Gerry (2002), Elefante (2003) e Last Days – Últimos Dias (2005). Todavia, essatríade de filmes, apesar da sua vertente “estetizante”, tratava o tema da mortecom uma relativa dose de gravidade que está ausente de Inquietos, a sua 14.ªlonga-metragem.

O mais inesperado neste filme rodado em Portland (cidade onde o realizadorvive e onde costuma filmar) é o tom alegre, vivo e tranquilo com que aspersonagens encaram a morte. Inquietos é a história de um amor vivido aprazo, mas intensamente, por dois jovens solitários: Annabel (Mia Wasikowska),uma rapariga com um tumor cerebral e apenas três meses de vida, e Enoch (HenryHopper, filho de Dennis Hopper), um rapaz que perdeu os pais num acidente deviação e que, além de ter por obsessão assistir a funerais de pessoas que nãoconhece, tem como único amigo o “fantasma” de um piloto kamikaze. Dito desta forma, parece um tanto mórbido, mas a virtude e diferença dofilme de Van Sant reside no modo como o realizador trata a morte: como a maiordádiva da vida.

Inquietos é um filme sobre a morte como criadora de vida. Enoch, que nopassado foi tentado pelo suicídio, “desistiu” da vida no sentido do apegopernicioso e do interesse “interesseiro”. Tal como diz o Novo Testamento, “épreciso que a semente deitada à terra morra para poder germinar e dar fruto”. EAnnabel é “revitalizada” pela proximidade da sua própria morte. É caso paradizer que, se não fosse a Morte (e a dádiva da morte, nas suas diversasformas), não viveríamos. E as personagens deste filme vivem, querem viver,estão vivas e reclamam o seu direito à Vida.

Van Sant explicou em entrevistas que a razão de se sentir tão atraído porhistórias sobre pessoas jovens (comuns na sua obra) prende-se sobretudo com ofacto de a juventude ser o período mais vibrante das nossas vidas, o qual,segundo o cineasta, começa a “arrefecer” por volta dos 23/25 anos, talvezporque seja a altura em que somos obrigados a entrar na vida “real”. E a peçado estreante Jason Lew (autor com menos de 30 anos) que o filme adapta prefereo idílio romântico e perfeito da vida ideal ao prosaísmo cinzento e triste davida real. Porque essa, quando vivida sem sonho, é a verdadeira morte.

(Texto publicado na edição de 12 de Novembro do Diáriode Notícias)

Tratar a morte com quietude espiritual

2011-11-10T16:23:00.005Z

Onovo filme de Gus Van Sant estabelece um feliz compromisso entre o mainstream e o"alternativo". Esta história de uma rapariga com um cancro em faseterminal que se apaixona por um rapaz que gosta de assistir a funerais e quetem como amigo imaginário o "fantasma" de um piloto kamikaze é uma fantasia romântica que aborda o tema da morte com umanotável quietude espiritual. Com Mia Wasikowska e Henry Hopper (filho deDennis Hopper).

(Textooriginalmente publicado no Diário de Notícias)

INQUIETOS (RESTLESS)

Realização: Gus Van Sant

Intérpretes: Mia Wasikowska, HenryHopper, Ryo Kase, Jane Adams

Género: Drama

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Columbia Tristar Warner

Classificação: (8/10)

Um digno prelúdio do clássico de Carpenter

2011-11-03T15:18:00.000Z

Umavez que fazer um remake de The Thing (1982) de John Carpenter seriacomo “pintar sobrancelhas na Mona Lisa”(dizem os produtores), este filme é dele uma prequela. Esta história de um grupode cientistas na Antárctida que descobrem uma criatura alienígena adormecida nogelo há milénios com a capacidade de replicar seres vivos é uma visãointeressante e competente sobre o medo do Outro.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

ACOISA (THE THING)

Realização:Matthijs van Heijningen

Intérpretes:Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen, Eric Christian Olsen

Género:Ficção Científica/Terror

Origem:(EUA/Canadá, 2011)

Distribuição:Zon Lusomundo

Classificação:(6/10)

ANTEVISÃO: 'We Need to Talk about Kevin', de Lynne Ramsay

2011-11-02T12:49:00.000Z

"POST" DE ESCUTA

2011-10-30T13:39:00.002Z

Lana Del Rey, Video Games

Demónios exteriores e pouco assustadores

2011-10-27T15:02:00.001Z

Guillermo del Toro produz este remake de um telefilme de terror de 1973sobre uma menina que, depois de se mudar com o pai e a madrasta para uma antigamansão em Rhode Island, começa a ser atormentada por pequenas e diabólicascriaturas. Dirigido pelo autor de comics TroyNixey, Não Tenhas Medo do Escuro peca por umavisão demasiado tangível e literal do Mal. Com Guy Pearce e Katie Holmes.

(Texto originalmente publicado noDiário de Notícias)

NÃO TENHAS MEDO DO ESCURO (DON’T BE AFRAID OF THE DARK)

Realização: Troy Nixey

Intérpretes: Guy Pearce, Katie Holmes, Bailee Madison

Género: Terror/Thriller

Origem: (EUA/Austrália/México, 2010)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (4/10)

Um filme quase perfeito que merece vir à tona

2011-10-20T14:29:00.000Z

O filme de estreia de Richard Ayoade (n. 1977) corre o risco de passar despercebido, mas é um dos melhores estreados este ano nas nossas salas. Produzido por Ben Stiller e adaptado do romance de Joe Dunthorne, este filme sobre um rapaz obsessivo e sonhador que descobre o amor é um fenomenal coming-of-age com um óptimo equilíbrio entre uma estética apurada e um conteúdo inteligente.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

SUBMARINO(SUBMARINE)

Realização:Richard Ayoade

Intérpretes:Craig Roberts, Yasmin Paige, Sally Hawkins, Noah Taylor, Paddy Considine

Género:Drama/Comédia

Origem:(Reino Unido, EUA, 2010)

Distribuição:Pepperview Entertainment

Classificação:(9/10)

Entre Mr. Bean e o Inspector Clouseau

2011-10-05T14:59:00.000Z

Agora que Mr. Bean “morreu”, Rowan Atkinson está mais empenhadono cinema. Nesta comédia de espionagem, a personagem de Johnny English – ummisto de Mr. Bean e Inspector Clouseau – regressa ao activo para, com a ajudada mais moderna tecnologia, realizar a missão de impedir o assassínio de um primeiro-ministro.O Regresso de Johnny English tem alguns bons gags,mas não vai muito além da sua mera acumulação.

(Texto publicado no Diário de Notícias)

OREGRESSO DE JOHNNY ENGLISH (JOHNNY ENGLISH REBORN)

Realização:Oliver Parker

Intérpretes:Rowan Atkinson, Gillian Anderson, Ben Miller

Género:Comédia

Origem:(EUA/França/Reino Unido, 2011)

Distribuição:Zon Lusomundo

Classificação:(5/10)

Crescer em solidão no interior do Brasil

2011-09-29T10:04:00.000Z

Aprimeira longa-metragem de Esmir Filho adapta o livro de Ismael Caneppele pararetratar a solidão de um adolescente “diferente” (excelente Henrique Larré) deuma pequena cidade do interior do Rio Grande do Sul. Os Famosos e os Duendes da Morte é uma meditação sombria e atmosféricasobre o vazio existencial e a incomunicabilidade. Em complemento, passa a“curta” Voodoo, de Sandro Aguilar.

(Textooriginalmente publicado no Diário de Notícias)

OSFAMOSOS E OS DUENDES DA MORTE

Realização:Esmir Filho

Intérpretes:Henrique Larré, Áurea Baptista, Samuel Reginatto, Ismael Caneppele

Género:Drama

Origem:(Brasil/França, 2009)

Distribuição:Alambique

Classificação:(7/10)

O obsceno julgamento de uma obra-prima

2011-09-24T14:52:00.001Z

Rob Epstein e Jeffrey Friedman dramatizam aqui momentos-chaveda vida do poeta beat Allen Ginsberg,nomeadamente os acontecimentos que levaram o jovem Ginsberg a descobrir a suavoz como artista e o seu julgamento em 1957, acusado de obscenidade pela suaobra-prima Howl. O melhor de Uivo é o papel de James Franco, actorcujo talento sobressai em projectos mais alternativos como este.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

UIVO (HOWL)

Realização: Rob Epsteine Jeffrey Friedman

Intérpretes: JamesFranco, Jon Hamm, Mary-Louise Parker, Todd Rotondi, Jon Prescott

Género: Drama/Biográfico

Origem: (EUA, 2010)

Distribuição: MidasFilmes

Classificação: (7/10)

Queer celebra 15.º aniversário

2011-09-16T13:22:00.000Z

O Queer Lisboa – Festival de Cinema Gay e Lésbico de Lisboa tem este ano como tema central a transgressão

A idade é de adolescente, mas o Queer Lisboa– Festival de Cinema Gay e Lésbico de Lisboa já entrou na maioridade. Ofestival, que hoje, pelas 21.00, arranca no Cinema São Jorge, e que se prolongaaté ao dia 24, celebra este ano o seu 15.º aniversário, numa edição especialque tem como tema aglutinador a “transgressão”. É certo que o cinema queer (conceito que remete à partidapara o New Queer Cinema de inícios dos anos 90) é por essência “transgressor”,mas, como nos explica João Ferreira, director artístico do Queer Lisboa, essaessência tem-se diluído um pouco com a integração de temáticas queer no circuito comercial. Por isso, ofestival apresenta, este ano, uma programação que se constrói sob o signo daTransgressão.

OQueer Lisboa 15 abre com o filme Uivo –Howl, de Rob Epstein e Jeffrey Friedman, apresentado em antestreianacional, e com James Franco no papel do poeta beat Allen Ginsberg (1926-1997). O certame mantém as tradicionais secçõescompetitivas (longa-metragem, documentário e curta-metragem), bem como astambém já habituais secções Panorama (que contará com quatro filmes quetraduzem a vitalidade do cinema dos países americanos de expressão hispânica),Queer Art (secção dedicada a filmes de carácter mais experimental) e Queer Pop(que este ano propõe três programas de telediscos, que destacarão KylieMinogue, David Bowie e um panorama de produções recentes de artistas comoPatrick Wolf ou James Blake). Haverá ainda três sessões especiais, donde sedestaca o filme Miss Kicki, de HakomLiu (que estará em Lisboa), um programa dedicado à intersexualidade e as jáhabituais Noites Hard, que este ano homenageiam Wakefield Poole, um dospioneiros do cinema pornográfico gay.

Paralelamenteaos 84 títulos desta edição (menos do que em 2010, não por causa da“crise”, mas sim porque houve uma maior aposta nas longas-metragens e umaredução nas “curtas”), o Queer Lisboa 15 apresentará ainda o espectáculo deteatro-dança Silenciados, do grupomadrileno Sudhum, que fala de crimes por homofobia, mas também a instalação“Mansfield 1962”, que no WC do rés-do-chão do São Jorge reviverá o mediáticocaso do julgamento de um conjunto de homens que nesta cidade do Ohio foramacusados de “sodomia” com base em imagens de actos sexuaiscaptados clandestinamente numa casa de banho pública. Outra das novidades destaedição é a parceria com a plataforma onlinede video on demand MUBI(http://mubi.com/festivals/queer-lisboa), que permitirá a espectadoresespalhados por todo o mundo (e também em Portugal) ver uma selecção de filmesdo Queer Lisboa 15.

Ofestival encerra com o filme Taxi zum Klo– Taxi to the Toilet (1980), de Frank Ripploh, uma obra autobiográfica queresume na essência as origens e pressupostos do cinema queer. Entre os convidados nacionais para membros dos júris,contam-se os actores Beatriz Batarda e Albano Jerónimo (Melhor Longa-Metragem)e Miguel Gonçalves Mendes (autor de Josée Pilar, que avaliará os documentários). Mais informações em queerlisboa.pt.

(Texto publicado naedição de 16 de Setembro do Diário de Notícias)

5 Perguntas a João Ferreira, directorartístico do Queer Lisboa

“O público quer que o festival exista”

1) O Queer Lisboa celebra o 15.º aniversário. Como caracteriza a evolução do festival aolongo dos anos?

OFestival sofreu muitas mudanças nestes seus 15 anos de história. Uma evoluçãoque é também a do cinema queer e a do panorama cultural e social português, aqual o festival, inevitavelmente, acompanhou. O Queer Lisboa teve um conjuntode dificuldades no seu percurso, nomeadamente a nível financeiro, até chegar aum patamar mais confortável que nos permite hoje fazermos o festival que ambicionamos,com uma equipa fixa. Olhando para trás, essas dificuldades foram importantes,pois não só nos deram uma grande experiência de produção e desenvolveram a nossaimaginação como programadores, como também significou que, se chegámos atéaqui, é porque este festival tem um lugar importante no panorama culturallisboeta. O público quer que ele exista.

2) Esta edição tem comotema a “transgressão”. Mas não é o cinema queer todo ele à partida“transgressivo”?

Estachamada de atenção para o tema da “transgressão” parece-me pertinente fazê-laneste momento. Se é verdade que a transgressão, quer narrativa, quer formal,foi uma marca determinante do New Queer Cinema de inícios dos anos 1990, com aentrada de temáticas queer nos circuitos mais comerciais essa essênciaperdeu-se um pouco. Por isso, achámos importante de alguma forma reivindicaresse carácter transgressor e marginal, do qual acredito que este festival deveser um reflexo.

3) A edição de 2010 teveum total de 118 filmes, contra os 84 deste ano. A austeridade e a crise tambémchegaram ao Queer Lisboa?

Estaredução deveu-se sobretudo a um maior investimento nos formatos delonga-metragem, quer de ficção, quer documentais, quando em anos anterioresprogramámos muitas curtas-metragens. Embora os preços dos filmes e o transportedos mesmos tenham aumentado substancialmente neste último ano, conseguimos oorçamento suficiente para fazer a programação que queríamos, até porqueconseguimos ao longo destes anos já um grau de credibilidade junto dos distribuidoresque nos permite boas margens de negociação.

4) Que percepção tem dacondição homossexual em Portugal? Houve alguma evolução em termos de“aceitação” ou apenas mudaram as formas de discriminação?

Houveuma enorme mudança nestes últimos 15 anos. Quando entrei para o festival em2000, a própria atitude do público do festival era muito diferente, a forma deestarem no evento. Por exemplo, era muito difícil para as televisões ejornalistas conseguirem depoimentos ou imagens. Hoje isso não acontece. O festivalabriu-se a um público muito alargado. As mudanças legislativas lentamenteajudam a alterar as mentalidades. Claro que a discriminação ainda existe, nemque seja velada sob a forma de uma espécie de “tolerância”, mas o País já émuito diferente.

5) Circulou ontem na imprensa o rumor de umeventual boicote do festival à Embaixada de Israel. Quer comentar?

Ficámos surpreendidos comestas notícias que surgiram na imprensa, para mais porque em nenhum momentofoi a organização deste Festival consultada para qualquer declaração ouesclarecimento. Foram tomadas como verdadeiras declarações feitas em nome donosso Festival. O Festival não tomou qualquer posição relativamente aoboicote BDS (boicote ao apoio do estado de Israel à promoção cultural) eque não optou por excluir qualquer apoio de Israel ao Festival. A questãosimplesmente não se pôs este ano, porque não tivemos uma representaçãosignificativa (apenas um título) de Israel no nosso programa.

(Versão integral daentrevista)

Infelizes juntos

2011-09-10T11:51:00.000Z

Um drama romântico sobre um amor que nuncachega realmente a consumar-se

Arealizadora dinamarquesa Lone Scherfig, autora do magnífico Uma Outra Educação (2009), fez em temposum filme conforme as regras do movimento Dogma 95. Intitulava-se Italiano para Principiantes (2000), e nãoera um grande filme – o melhor do movimento realizado por uma mulher é Gypo (2005), de Jan Dunn –, maspermite-nos perceber o quanto Scherfig evoluiu daí em diante. Se Uma Outra Educação já era uma obra querevelava um olhar profundo sobre as relações humanas, Um Dia, o seu novo filme, confirma-a como alguém com especialtalento para retratar as complexidades do amor.

Baseado no romance homónimo do escritorbritânico David Nicholls (também autor do argumento), Um Dia conta a história de Emma (Anne Hathaway) e Dexter (JimSturgess), dois colegas de curso que passam uma noite juntos no dia em que terminama licenciatura. Esse dia, 15 de Julho de 1988, ficará para sempre na memória deambos como o dia em que os seus destinos se ligaram. E ao longo do filme vamosacompanhando as duas personagens por caminhos separados (com pontuaisreencontros) em cada dia 15 de Julho de cada ano, até ao momento presente. Masa história de Emma, uma jovem bem formada, inteligente e criativa, mas insegurae com défice de amor próprio, e de Dexter, filho de pais de classe alta e bon vivant, é a história de um encontropara sempre marcado por aquilo que ambos não foram capazes de dizer edemonstrar um ao outro.

Foi Arthur Rimbaud quem disse “pordelicadeza, perdi a minha vida”. No caso dos protagonistas deste filme,dir-se-ia que é por excesso de pudor (da parte de Emma), e talvez por pecado deorgulho (no caso de Dexter), que estes dois espíritos secretamente apaixonadosum pelo outro perdem a oportunidade de serem felizes juntos. E aquele dia 15 deJulho de 1988, o dia que podia realmente ter mudado as suas vidas (e que mudou,mas não propriamente no sentido desejado pelos dois), ficará pela vida fora deEmma e Dexter como o dia em que cada um deles podia ter tido a coragememocional necessária para abrir o coração um ao outro.

Será decerto também mérito do livro em quese baseia o poder de nos tocar que esta história possui, mas tal fica em muitoa dever-se ao talento que a realizadora demonstra para compreender e retratarem perspectiva o interior dos seus protagonistas, bem como aos actores que temem mãos. Hathaway é excelente no papel de uma jovem mulher inteligente evalorosa, mas tímida e algo pudica, e Sturgess, além de bem-parecido, prova queé também bom actor. Destaque ainda para a espantosa Patricia Clarkson e para oactor inglês Ken Stott (nos papéis dos pais de Dexter).

(texto publicado no último número da revista NS do Diário de Notícias)

O regresso (em digital) do mestre do horror

2011-09-09T11:00:00.001Z

Após uma década de silêncio, JohnCarpenter regressa com um exercício de releitura em torno de um géneromal-afamado: o slasher. O filme contaa história de uma paciente de um hospital psiquiátrico atormentada pelo fantasmaassassino de uma antiga interna. Houve quem o aproximasse de Sucker Punch, de Zack Snyder, mas O Hospício está mais perto de Shutter Island, de Martin Scorsese. ComAmber Heard.

(texto originalmente publicado noDiário de Notícias)

O HOSPÍCIO (THE WARD)

Realização: John Carpenter

Intérpretes: Amber Heard, Mamie Gummer, Danielle Panabaker, JaredHarris

Género: Terror/Thriller Psicológico

Origem: (EUA, 2010)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (8/10)

As palavras que só tardiamente te direi

2011-09-01T13:32:00.000Z

Nestefilme da dinamarquesa Lone Scherfig (UmaOutra Educação), Anne Hathaway e Jim Sturgess encarnam dois amigos quepassam uma noite juntos nos tempos da faculdade, e que ao longo da vida sereencontram pontualmente, ficando porém para sempre marcados pelo que nãodisseram um ao outro. Baseado no best-sellerde David Nicholls, Um Dia é um dramaromântico tocante e bem interpretado.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

UMDIA (ONE DAY)

Realização:Lone Scherfig

Intérpretes:Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Ken Stott

Género:Drama/Romance

Origem:(EUA, 2011)

Distribuição:Castello Lopes Multimédia

Classificação:(8/10)

Moer de torturas o diabo que lhe matou a noiva

2011-08-27T15:23:00.001Z

Neste filme do sul-coreano Kim Ji-woon (História de Duas Irmãs), Choi Min-sik (protagonista de Oldjoy) encarna um serial killer perseguido e torturado até à exaustão por um agente especial que quer vingar a morte da sua noiva às mãos do monstro. Entre o thriller de violência gráfica e hiperbólica e o filme de terror, Eu Vi o Diabo é um objecto ao mesmo tempo cru, absurdo e estilizado.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

EU VI O DIABO (I SAW THE DEVIL)

Realização: Kim Ji-woon

Intérpretes: Choi Min-sik, Lee Byung-hun

Género: Thriller/Terror

Origem: (Coreia do Sul, 2010)

Distribuição: Pepperview Entertainment

Classificação: (7/10)

A atrocidade da exibição

2011-08-22T20:05:00.002Z

Um ‘biopic’ sobre a vida de Saartjie Baartman, uma mulher hotentote que se tornou famosa no século XIX como atracção de feira

Depois de se ter estreado na realização aos 40 anos com La Faute à Voltaire (2000), a que se seguiram dois magníficos filmes como são A Esquiva (2003) e O Segredo de Um Cuscuz (2007), o realizador francês de origem tunisina Abdellatif Kechiche assina em Vénus Negra a sua quarta longa-metragem. O filme é um sólido e desafiante biopic em torno da história da dura vida de Saartjie Baartman (1789-1815), uma mulher hotentote que se tornou famosa como atracção de feira na Europa do século XIX, sob o nome de Vénus Hotentote.

O filme retrata a história da vida (real) de Saartjie “Sarah” Baartman (interpretada pela estreante Yahima Torres), uma mulher hotentote (designação de um grupo étnico existente no sudoeste africano, que partilha características físicas e linguísticas peculiares) que, em 1808, acompanhada pelo patrão, veio para a Europa em busca de uma vida melhor, mas também de fama e fortuna (e sonhando concretizar uma pressentida vocação artística). Mas, uma vez em Londres, o seu “senhor” tornado manager nada faz para atender às suas legítimas aspirações, aproveitando-se antes do aspecto “exótico” de Saartjie (que tinha umas volumosas e protuberantes nádegas) e persuadindo-a, sob o falso e ilusório pretexto de que estaria a “fazer arte”, a expor-se num degradante espectáculo de feira em que os espectadores ávidos de sensações fortes (e impregnados de preconceitos raciais) iam ver (e tocar) na “curiosidade” anatómica e no “selvagem”.

Abdellatif Kechiche consegue fazer um filme sobre a solidão irredutível de uma mulher sensível que todos tratam como um espírito infra-humano (ou mesmo como um animal desprovido de alma) sem no entanto nos aborrecer com um sermão sobre os direitos humanos. É claro que este é um filme profundamente humanista, quanto mais não seja pelo facto de tomar como protagonista um ser humano que a “boa sociedade” vê como “selvagem”, quando os autênticos selvagens (possuídos pela selvajaria da crueldade e da desumanidade) são aqueles que se julgam “civilizados”.

Conhecido por recorrer com frequência a actores amadores, Kechiche aposta de novo numa estreante para protagonista. Yahima Torres, uma cubana de 30 anos, foi a escolhida para encarnar a figura de Saartjie Baartman, e fá-lo com notável talento, num papel difícil não só pelo grau de exposição que exige, mas também por depender muito da expressão corporal e facial (nomeadamente do olhar, que, no caso desta personagem, algo lacónica, é essencial para comunicar).

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

O cativeiro espiritual de Saartjie Baartman

2011-08-18T23:26:00.000Z

Abdellatif Kechiche (O Segredo de Um Cuscuz) assina aqui um sólido e desafiante biopic sobre a curta e triste vida de Saartjie Baartman, uma mulher hotentote que, no século XIX, veio para a Europa em busca de fama e fortuna, mas que acabou transformada em atracção de feira devido ao seu corpo invulgar. Um filme sobre a solidão irredutível de uma mulher vista como uma ave exótica.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

VÉNUS NEGRA (VÉNUS NOIRE)

Realização: Abdellatif Kechiche

Intérpretes: Yahima Torres, Andre Jacobs, Olivier Gourmet

Género: Drama/Biográfico

Origem: (França/Bélgica, 2010)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (9/10)

Um amor improvável

2011-08-14T11:54:00.000Z

Uma invulgar história de amor entre dois seres que à partida parecem ter muito pouco em comum

Antes de experimentar o cinema, a realizadora francesa Alix Delaport foi jornalista. Com efeito, o talento para retratar e observar discreta mas atentamente a realidade que demonstra em Angèle e Tony, a sua primeira longa-metragem, não será certamente alheio a esse passado profissional.

Num registo sóbrio e realista, o filme conta a história da progressiva aproximação entre dois espíritos que à partida parecem ter muito pouco em comum. Angèle (Clotilde Hesme), uma jovem e atraente mulher com um passado problemático, chega a uma pequena vila piscatória na Normandia, onde trava conhecimento com Tony (Grégory Gadebois), um pescador profissional solitário e pouco expressivo que se encontra com Angèle na sequência de um anúncio amoroso que parece ter como primeiro objectivo uma aventura de natureza erótica. Porém, Tony resiste à tentação de avançar para aquilo que seria uma insignificante relação sexual, e decide tomar o destino de Angèle a seu cargo, contratando-a como ajudante na lota e ensinando-lhe os segredos do negócio. Aos poucos, os dois vão-se tornando mais próximos, quebrando paulatinamente a couraça defensiva que os impedia de se aproximarem um do outro…

Com argumento da própria realizadora, Angèle e Tony é uma invulgar e improvável história de amor entre duas pessoas que parecem não estar à partida destinadas uma à outra. Angèle, com os seus modos um tanto agressivos e bruscos, esconde por trás dessa carapaça protectora uma alma frágil, magoada e carente. Tony, um ser insular, mostra uma face de uma certa indiferença e dureza que não revela o homem sensível e apaixonado que se encontra por trás dessa máscara social. O ponto essencial do filme é mostrar como esses dois estranhos que não parecem “casar” um com o outro se vão aproximando da possibilidade real de virem a ser um casal, encontrando um no outro a âncora que os salve das suas respectivas derivas existenciais e sentimentais.

Apesar de por vezes ser um pouco enfastiante (sobretudo devido a uma acção com poucos acontecimentos), Angèle e Tony é um drama realista de ritmo lento e paciente que, porém, recompensa o espectador com uma parte final comovente e reconciliadora. As interpretações de Clotide Hesme e Grégory Gadebois (que vem da Comédie-Française) são notáveis pelo underacting. Sempre contidas e sóbrias (sobretudo a de Gadebois), constituem a alma deste filme discreto mas tocante.

(texto originalmente publicado na revista Notícias Sábado do Diário de Notícias)

ANGÈLE E TONY (ANGÈLE ET TONY)

Realização: Alix Delaport

Intérpretes: Clotilde Hesme, Grégory Gadebois, Evelyne Didi

Género: Drama

Origem: (França, 2010)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (7/10)

A violenta revolta do chimpanzé intelectual

2011-08-13T02:07:00.001Z

Nesta prequela, a revolta dos símios contra os homens tem origem em experiências científicas no campo da neurogénese que tornam os macacos superinteligentes. Planeta dos Macacos: A Origem não explora porém esse lado “científico”, apostando antes nos (bons) efeitos especiais, mas esquecendo os actores, ao ponto de a interpretação do chimpanzé protagonista suplantar a de James Franco…

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM

(RISE OF THE PLANET OF THE APES)

Realização: Rupert Wyatt

Intérpretes: James Franco, John Lithgow, Andy Serkis, Freida Pinto

Género: Ficção Científica/Acção

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Castello Lopes Multimédia

Classificação: (6/10)

A vingança inábil dos empregados oprimidos

2011-08-04T17:24:00.003Z

Jason Bateman, Charlie Day e Jason Sudeikis encarnam três empregados briosos que planeiam matar os seus tirânicos chefes (interpretados por Kevin Spacey, Jennifer Aniston e Colin Farrell). A história era à partida uma base estimulante para uma boa comédia negra, mas o grande problema de Chefes Intragáveis, segunda longa-metragem de Seth Gordon, é o seu humor primário, fácil e juvenil.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

CHEFES INTRAGÁVEIS (HORRIBLE BOSSES)

Realização: Seth Gordon

Intérpretes: Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell

Género: Comédia

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Columbia Tristar Warner

Classificação: (4/10)

Uma verdadeira actriz na imitação do amor

2011-07-15T11:51:00.000Z

Steven Soderbergh torna aqui ao conceito que regera Bubble: orçamento mínimo, actores não-profissionais e uso do vídeo de alta definição. Sasha Grey (antiga estrela do cinema porno) interpreta uma acompanhante de luxo nova-iorquina de 22 anos que cobra 2000 dólares à hora para proporcionar aos seus clientes a experiência da “namorada ideal” num filme que explora os limites da representação.

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

CONFISSÕES DE UMA NAMORADA DE SERVIÇO

(THE GIRLFRIEND EXPERIENCE)

Realização: Steven Soderbergh

Intérpretes: Sasha Grey, Chris Santos, Philip Eytan

Género: Drama

Origem: (EUA, 2009)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (7/10)

O meu nome é Crowne, Larry Crowne

2011-07-12T06:44:00.013Z

Uma comédia romântica sobre um homem divorciado que perde o emprego e regressa à universidade

15 anos depois de Tudo por Um Sonho, Tom Hanks volta a dirigir uma longa-metragem em Larry Crowne, onde também interpreta o papel principal ao lado de Julia Roberts (com quem contracena pela segunda vez, depois de Jogos de Poder, de Mike Nichols). Mas o filme acaba por provar que Hanks e Roberts estão demasiado velhos (ou maduros) para se entregarem com paixão ao registo da comédia romântica em que ambos já brilharam em tempos idos.

Tom Hanks interpreta a personagem do título, chefe de uma equipa de vendas num grande armazém de revenda que perde o emprego por não possuir um grau académico superior. Encarando porém esse momento crítico da sua vida como uma oportunidade para recomeçar, Larry Crowne decide vender os seus bens, trocar o carro por uma scooter em enésima mão e inscrever-se na universidade. Aí faz novas amizades, integrando-se num grupo de alunos “liderado” por Talia (Gugu Mbatha-Raw), uma aluna de espírito livre que se encarrega de mudar a imagem ao simpático mas desgracioso Larry Crowne, que assim passa a responder pelo nome (mais sedutor) de Lance Corona. Mas o desejo de Larry é impressionar Mercedes Tainot (Julia Roberts), a sua professora de Discurso para Audiências, que atravessa um período de desmotivação (profissional e conjugal).

Escrito por Tom Hanks em parceria com Nia Vardalos (Connie e Carla), Larry Crowne é uma comédia romântica cujo humor é tão tépido como a água do cano no Verão, o optimismo mais básico que o de um livro de auto-ajuda, e em que o par romântico tem menos química que Alberto do Mónaco e Charlene Wittstock. Isto para além da realização esquemática e sem estilo próprio de Hanks (que consegue ser quase mais robótica e superficial que a de Jodie Foster em O Castor). É certo que ainda temos o sorriso luminoso de Julia Roberts, mas é quase penoso ver a actriz em tão inane papel, sobretudo depois do que mostrou num filme como Erin Brockovich. E Tom Hanks, esse parece ter regredido aos tempos de Forrest Gump…
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Perante a falta de viço dos protagonistas, o melhor do filme reside em algumas personagens secundárias que mereciam ter sido mais desenvolvidas, como as de George Takei (no papel de um narcísico professor de Economia) e Pam Grier (uma colega de Mercedes). Ou ainda os também subaproveitados Cedric the Entertainer e Taraji P. Henson (interpretando os vizinhos de Larry). Larry Crowne resulta assim em mais um inócuo e epidérmico “filme de Verão”.

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

LARRY CROWNE (LARRY CROWNE)

Realização: Tom Hanks

Intérpretes: Tom Hanks, Julia Roberts, Gugu Mbatha-Raw, Pam Grier, George Takei

Género: Comédia Romântica

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (4/10)

DVD: 'O Refúgio das Crianças', de Marco Ferreri

2011-07-04T22:08:00.001Z

Um Roberto Benigni em início de carreira protagoniza este filme do italiano Marco Ferreri (1928-1997), na pele de um educador de infância (também ele a dar os primeiros passos) que se distingue pelos seus métodos pedagógicos inconformistas e heterodoxos. Amado pelas crianças, que vêem nele um pai espirituoso e afectuoso, Roberto é um homem que preservou em si a “criança interior”, e que possui um especial talento para lidar com os alunos mais problemáticos. O Refúgio das Crianças é um filme um tanto atípico na filmografia de Ferreri (dominada por visões pessimistas), mas que não deixa de aflorar temas como a solidão e a desumanização do mundo moderno. Vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim de 1980.

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

O REFÚGIO DAS CRIANÇAS

(CHIEDO ASILO)

Realização: Marco Ferreri

Intérpretes: Roberto Benigni, Dominique Laffin, Chiara Moretti

Género: Drama

Origem: (Itália/França, 1979)

Editora: Clap Filmes

Classificação: (7/10)

Uma comédia coral com actores de eleição

2011-07-01T11:22:00.002Z

O terceiro filme do actor francês Guillaume Canet retrata a teia de relações entre um grupo de amigos de longa data que se reúnem para passar as férias de Verão após um deles ter sofrido um grave acidente. Pequenas Mentiras Entre Amigos é uma comédia melodramática que, embora algo prolixa e lacrimal, tem no conjunto de actores o seu ponto forte. Com Marion Cottilard e François Cluzet.

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

PEQUENAS MENTIRAS ENTRE AMIGOS
(LES PETITS MOUCHOIRS)

Realização: Guillaume Canet

Intérpretes: François Cluzet, Marion Cottilard, Benoît Magimel, Gilles Lellouch, Jean Dujardin

Género: Comédia Dramática

Origem: (França, 2010)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (6/10)

Uma segunda oportunidade

2011-06-28T15:13:00.006Z

Uma comédia romântica sobre uma jovem mulher que está secretamente apaixonada pelo namorado da sua melhor amiga

Empresta-me o Teu Namorado, de Luke Greenfield, tem esta frase promocional: “É ténue a linha entre o amor e a amizade”. Uma frase que toca no centro nevrálgico desta comédia romântica na medida em que o móbil da acção reside precisamente na dificuldade por parte das duas personagens principais em discernir, numa fase incipiente da sua amizade, a natureza de tal ligação. Uma ligação que, devido a equívocos e deduções erróneas, acaba por não tomar a direcção que ambos intimamente desejavam.

Rachel (Ginnifer Goodwin) e Dex (Colin Egglesfield) são dois amigos que se conhecem desde os tempos em que estudavam Direito. Ela é hoje uma bem-sucedida advogada num importante escritório de Manhattan e ele aspirante a professor. Nos tempos da faculdade, eram os melhores amigos, e a hipótese de uma ligação amorosa pairava no ar. Porém, por timidez e excesso de delicadeza, Rachel acabou por entregar Dex nas mãos de Darcy (Kate Hudson), a sua melhor amiga. Mas quando esta anuncia a data do seu casamento, Rachel, que acabou de completar 30 anos e se encontra ainda solteira, acusa a decisão e percebe, depois de uma noite passada com Dex, que está prestes a perder para sempre o homem que secretamente ama.

Baseado no best-seller de Emily Giffin, e produzido por Hilary Swank, Empresta-me o Teu Namorado (Something Borrowed, no original) é uma simpática comédia romântica em que, todavia, o elemento passional prevalece sobre o elemento humorístico (entregue quase exclusivamente à personagem de John Krasinski). É certo que as personagens são um tanto artificiais, estereotipadas e por vezes de uma qualidade humana duvidosa, e que o estilo da realização está demasiado próximo do de uma sitcom. Mas trata-se afinal do tipo de filme que se revela mais nutritivo do que as expectativas mais cépticas poderiam fazer crer. Ou seja, se lhe derem uma hipótese, aqueles que o descartariam à partida como um produto cinematográfico estival cheio de “calorias vazias” acabam por obter alguns nutrientes.

Empresta-me o Teu Namorado é afinal a história de uma jovem mulher que por gentileza e aparente altruísmo perde uma oportunidade de ser feliz. Mas é também a história de alguém que sofre as consequências de não ter tido a coragem de revelar os seus verdadeiros sentimentos no momento certo e que, com isso, abre caminho ao arrependimento e à nostalgia do amor não consumado. As interpretações são competentes, embora Kate Hudson já tenha visto melhores dias e Colin Egglesfield (Melrose Place) pareça algo “plastificado”.

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

Uma secreta paixão difícil de confessar

2011-06-23T10:29:00.008Z

Embora estereotipado, este filme sobre uma jovem advogada nova-iorquina secretamente apaixonada pelo namorado da sua melhor amiga cumpre a sua função de entretenimento ligeiro. Dirigido por Luke Greenfield (A Miúda do Lado), Empresta-me o teu Namorado é uma comédia ma non troppo dominada pela nota romântica. Com Kate Hudson (que já viu melhores dias) e John Krasinski (The Office).

(texto originariamente publicado no Diário de Notícias)

EMPRESTA-ME O TEU NAMORADO (SOMETHING BORROWED)

Realização: Luke Greenfield

Intérpretes: Kate Hudson, Ginnifer Goodwin, Colin Egglesfield, John Krasinski

Género: Comédia Romântica

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (5/10)

Falar para o boneco

2011-06-20T20:43:00.002Z

Jodie Foster realiza e protagoniza, ao lado de Mel Gibson, um drama familiar sobre um homem deprimido que encontra num fantoche a forma de expressar as emoções reprimidas

Perante a controvérsia em torno da vida privada de Mel Gibson, O Castor, terceiro filme de Jodie Foster, tem sido encarado por alguns como uma oportunidade de o actor australiano se redimir e se fazer compreender junto de uma opinião pública, como a americana, dada ao moralismo. Daí que haja qualquer coisa de “terapêutico” no facto de Gibson interpretar, aqui, um homem que se debate com uma depressão que o leva a negligenciar a mulher e os filhos. De certo modo, é como se ele falasse dos seus problemas pessoais através dessa personagem. Ou melhor, através de um castor de peluche que fala por ele.

Esta é a história de Walter Black (Gibson), um executivo de uma empresa de brinquedos que, sofrendo de uma depressão refractária a todos os tratamentos, se vê abandonado pela família, que já não sabe como lidar com o problema. Irremediavelmente deprimido e entregue a si mesmo (e à bebida), Walter parece estar num beco sem saída. Mas certa noite encontra no lixo um fantoche de castor que passa a usar na sua mão esquerda e através do qual começa a expressar-se. Qual ventríloquo improvisado, Walter dialoga consigo mesmo através do boneco, como se tivesse enfim encontrado uma estratégia original para lidar com a sua depressão (aliás, uma das ideias que este filme propõe é a de que uma depressão só pode ser vencida com soluções emanadas do nosso interior, e não de técnicas que qualquer especialista em saúde mental nos tente impingir).

Partindo desta improvável premissa, O Castor desenvolve-se como um insólito drama familiar tocado pela perplexidade – da família de Walter, que tenta entranhar o que à partida estranha, e do espectador, que, embora ciente de não estar diante de uma comédia (apesar de o papel de Gibson ter passado pelas mãos de Steve Carell e Jim Carrey), não consegue deixar de achar o filme um tanto risível e ridículo. É certo que se trata de um projecto corajoso, quanto mais não seja porque arrisca tratar um tema difícil de forma inusitada. O problema é que Foster (que também interpreta a mulher de Walter) nunca consegue dar ao filme uma dimensão metafórica que o livrasse de tão plana e inverosímil literalidade. Ou seja, como comédia, O Castor poderia resultar, mas como drama não vai muito além de uma melancólica fantochada.

De resto, as melhores cenas cabem a Anton Yelchin (o filho adolescente do casal) e a Jennifer Lawrence (uma cheerleader que dele se aproxima). Isto porque há nelas um maior domínio do tom, mas também porque os dois jovens actores parecem mais comprometidos com as suas personagens do que os veteranos Gibson e Foster (os quais, não obstante o que os seus papéis lhes exigem, parecem mais maquinais).

(texto originalmente publicado na revista Notícias Sábado do Diário de Notícias)

O CASTOR (THE BEAVER)

Realização: Jodie Foster

Intérpretes: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence

Género: Drama

Origem: (EUA, 2011)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (6/10)

De boas intenções está a má arte cheia

2011-06-16T14:53:00.000Z

Se o anterior filme de Sérgio Tréfaut, A Cidade dos Mortos, não tinha um olhar, este Viagem a Portugal (a sua primeira longa-metragem de ficção) tem um olhar demasiado vincado e engagé. O minimalismo quase teatral da encenação poderia ser apelativo, mas o filme perde-se numa retórica politicamente correcta e inútil, para além do perfume de “reconstituição” televisiva sofisticada que exala. Com Maria de Medeiros e Isabel Ruth.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

VIAGEM A PORTUGAL

Realização: Sérgio Tréfaut

Intérpretes: Maria de Medeiros, Isabel Ruth, Makena Diop

Género: Drama

Origem: (Portugal, 2011)

Distribuição: Faux – Edições e Audiovisuais

Classificação: (4/10)

DVD: 'The Fighter - Último Round', de David O. Russell

2011-06-14T14:18:00.000Z

Depois de experimentar o registo satírico em Três Reis e Os Psico-Detectives, David O. Russell enseja o drama familiar em The Fighter – Último Round. Esta é a história da luta (em sentido literal e figurado) de um pugilista dividido entre a fidelidade à sua família (nomeadamente à mãe, sua manager, e ao seu meio-irmão, que o treina na esperança de ele o redimir do seu fracasso no mundo do boxe) e a necessidade de se libertar dela e do seu espírito possessivo para poder ser ele próprio. Baseado numa história verídica, The Fighter – Último Round é um conto sobre como, por vezes, o amor da família pode ser egoísta e abafador. O filme conta com bons desempenhos de Mark Wahlberg, Amy Adams e Melissa Leo (mas com um Christian Bale algo patético).

(texto originalmente publicado na revista Notícias Sábado do Diário de Notícias)

THE FIGHTER – ÚLTIMO ROUND (THE FIGHTER)

Realização: David O. Russell

Intérpretes: Mark Wahlberg, Melissa Leo, Amy Adams, Christian Bale

Género: Drama

Origem: (EUA, 2010)

Editora: Valentim de Carvalho Multimédia

Classificação: (7/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-06-06T21:17:00.000Z

Lion's Share, tema que integra Smother, o novo álbum dos Wild Beasts

ANTEVISÃO: 'Take Shelter', de Jeff Nichols

2011-05-28T13:49:00.000Z

As pequenas psicoses da adolescência

2011-05-22T11:14:00.000Z

Figura de proa do New Queer Cinema, Gregg Araki retoma, em Kaboom – Alucinação, o lado mais lúdico que animou a sua obra nos anos 90. Podia ser uma extensão da sua teenage apocalypse trilogy, esta fantasia núbil sobre um estudante de cinema que delira com o fim do mundo. Uma paródia sexual e escatológica que é ainda uma colorida alegoria da passagem da adolescência à idade adulta.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

KABOOM – ALUCINAÇÃO (KABOOM)
Realização: Gregg Araki
Intérpretes: Thomas Dekker, Haley Bennett, Juno Temple
Género: Comédia/Ficção Científica
Origem: (EUA/França, 2010)
Distribuidora: Zon Lusomundo
Classificação: (7/10)

Os ardores da paixão e as dores da rejeição

2011-05-20T10:37:00.000Z

Depois de uma notável estreia com J’Ai Tué Ma Mère, o realizador e actor canadiano Xavier Dolan (n. 1989) assina em Amores Imaginários a sua segunda obra. E assume de novo o papel central, aqui um jovem gay atraído para um platónico triângulo amoroso. Dolan ainda pilha muito (Honoré, Ozon, Kar-wai, etc.), mas possui também um estilo próprio (sobretudo como actor) e uma fina sensibilidade.

(Texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

AMORES IMAGINÁRIOS (LES AMOURS IMAGINAIRES)

Realização: Xavier Dolan

Intérpretes: Xavier Dolan, Monia Chokri, Niels Schneider

Género: Drama/Romance

Origem: (Canadá, 2010)

Distribuidora: Alambique

Classificação: (7/10)

Duas almas gémeas separadas pela vida

2011-04-28T14:54:00.000Z

Baseado no romance de Paolo Giordano, este filme acompanha o percurso de dois espíritos solitários e com uma infância traumática que, apesar de se conhecerem na adolescência, só na idade adulta tomam consciência da sua forte afinidade. A Solidão dos Números Primos é um drama de uma beleza fria e ameaçadora, mas que amolece no epílogo. Com Alba Rohrwacher e Isabella Rossellini.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

A SOLIDÃO DOS NÚMEROS PRIMOS

(LA SOLITUDINE DEI NUMERI PRIMI)

Realização: Saverio Costanzo

Intérpretes: Alba Rohrwacher, Luca Marinelli, Isabella Rossellini

Género: Drama

Origem: (Itália/Alemanha/França, 2010)

Distribuição: Alambique

Classificação: (7/10)

Pode um desejo imenso arruinar um casamento?

2011-04-25T20:40:00.001Z

Um drama conjugal sobre os limites do envolvimento emocional numa relação extramatrimonial

No trailer de A Última Noite, primeira obra de Massy Tadjedin, pergunta-se: “Podes ser feliz e ainda assim ser tentado. Se tivesses uma segunda oportunidade com um antigo amor que não foi em frente, aproveitá-la-ias? Serás mais forte que os teus desejos?” É sabido que o amor inconsumado é sempre o mais belo e perfeito, mas valerá mesmo a pena resistirmos aos nossos desejos? No caso dos protagonistas deste filme, um jovem casal nova-iorquino, trata-se da questão da tentação da infidelidade conjugal. Oscar Wilde dizia que a melhor maneira de nos livrarmos de uma tentação era ceder-lhe, e parece ser esse o espírito deste casal interpretado por Keira Knightley e Sam Worthington. Mas que consequências pode ter a cedência a uma tentação erótica quando se é casado?

Esta é a história de Joanna (Knightley) e Michael (Worthington), um jovem casal nova-iorquino que está junto desde os tempos da faculdade (ainda que casado há apenas três anos), e que vai enfrentar a tentação do adultério. Durante uma festa, Joanna é apresentada à nova colega de trabalho do marido, Laura (Eva Mendes), e suspeita, pelos olhares que estes trocam, de que estejam a ter um affaire. Na manhã seguinte, Michael e Laura partem para Filadélfia numa viagem de negócios, e Joanna, para não ruminar no assunto da hipotética traição, decide ir passear, encontrando Alex (Guillaume Canet), uma antiga paixão vivida em Paris. Michael e Joanna vão pôr à prova a solidez do seu amor, mas enquanto ele procura somente uma noite bem passada, ela parece desejar algo mais…

Há uma teoria que defende que a infidelidade masculina tende a ser de cariz mais sexual, ao passo que a feminina de natureza mais emocional. Ou seja, os homens procuram mais a satisfação sexual fora do casamento (embora continuem a amar as parceiras), enquanto as mulheres, quando são infiéis, tendem a sê-lo por razões do coração (o que implica maior insatisfação conjugal). Uma teoria que parece ser corroborada pelo casal de A Última Noite, uma vez que o flirt entre Michael e Eva é de natureza estritamente sexual, enquanto Joanna parece mais interessada na dimensão afectiva da sua relação com Alex.

Escrito e dirigido Massy Tadjedin, realizadora de ascendência iraniana, A Última Noite é um drama conjugal sobre os limites da entrega numa relação extramatrimonial, que não pretende afirmar nenhuma tese, nem dar-nos lições de moral e bons costumes. Limita-se a retratar e a contemplar os humanos gestos de personagens reais que são gente sujeita a desejos e tentações (e não estóicos heróis da abstinência sexual ou da fidelidade canina).

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

A ÚLTIMA NOITE (LAST NIGHT)

Realização: Massy Tadjedin

Intérpretes: Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Guillaume Canet

Género: Drama

Origem: (EUA/França, 2010)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (7/10)

Um 'road movie' sobre a busca de uma família

2011-04-23T10:44:00.000Z

Mathieu Amalric interpreta neste filme que também dirige um antigo produtor de televisão parisiense que regressa da América com um grupo de artistas de strip-tease burlesco com quem pretende montar um espectáculo apoteótico em Paris. Tournée – Em Digressão é um road movie sobre a busca de uma família substituta que preencha o vazio deixado pelo malogro familiar. Venceu o prémio de realização em Cannes.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

TOURNÉE – EM DIGRESSÃO (TOURNÉE)

Realização: Mathieu Amalric

Intérpretes: Mathieu Amalric, Miranda Colclasure, Dirty Martini

Género: Drama

Origem: (França, 2010)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (6/10)

Um 'thriller' de acção herdeiro da ficção de Philip K. Dick

2011-04-19T18:45:00.001Z

Em ‘Código Base’, Duncan Jones prova que ‘Moon – O Outro Lado da Lua’ não foi um feliz acaso

Antes de se estrear na realização com Moon – O Outro Lado da Lua, Duncan Jones era sobretudo conhecido como “o filho de David Bowie”. Hereditário ou não, o talento de Jones parece seguir as pisadas do pai, embora noutra área artística, mas revelando uma imaginação que em nada desmerece os feitos na música do homem cujo nome de baptismo é David Jones. É caso para dizer que o jovem realizador parece ter, em termos criativos, o mesmo “código base” que o seu progenitor.

Mas se Moon – O Outro Lado da Lua tinha sido uma revelação (merecendo o aplauso da crítica e a admiração do público), o seu segundo filme, O Código Base (Source Code, no original), confirma-o como uma séria promessa no campo do cinema de ficção científica (género que parece ser o seu predilecto, o que também terá uma razão hereditária, dado o conhecido fascínio de Bowie por esses terrenos). De facto, Duncan Jones prova aqui que o seu primeiro filme não foi um feliz acaso, mas sim o produto de uma mente especialmente dotada para recriar em cinema um conjunto de estimulantes ideias criativas.

Código Base é a história de um piloto de helicópteros do exército americano (Jake Gyllenhaal) que, após um acidente em combate no Afeganistão, é aproveitado para integrar um projecto governamental clandestino denominado “Código Base”. Trata-se afinal de um programa de computador que lhe permite tomar como seu avatar o corpo e a identidade de um outro homem durante os últimos oito minutos da sua vida (através do acesso à informação que ficou registada na sua memória de curto-prazo). Acontece que o homem que o protagonista encarna é um dos passageiros que viajava a bordo de um comboio que se dirigia para Chicago e foi alvo de um atentado terrorista, culminando numa brutal explosão que vitimou centenas de pessoas. O protagonista é enviado reiteradamente numa viagem ao passado que o põe a bordo do comboio na pele de outro homem, tendo por missão recolher provas que o levem a identificar o terrorista e evitar um futuro ataque de consequências ainda mais trágicas.

Escrito pelo argumentista Ben Ripley (autor do guião do obscuro Espécie Mortal 3), O Código Base é um thriller de ficção científica reminiscente da ficção de Philip K. Dick. O filme tem um conceito sofisticado, na linha de A Origem, de Christopher Nolan, ou Os Agentes do Destino, de George Nolfi (este último baseado precisamente num conto de Dick), mas é superior a ambos estes filmes. Isto porque Jones não se limita a construir um jogo mental (como Nolan faz no cerebral e elefantino A Origem), adensando o filme com personagens espessas, ambiências confinadas (como já sucedia em Moon) e uma dimensão humanista que fala tanto ao intelecto que busca a ficção com ideias como à emoção que deseja um quebra-cabeças que fale também ao coração. Tudo isto suportado por um elenco que, à interpretação empenhada de Gyllenhaal, junta os desempenhos coesos de Michelle Monaghan, Vera Farmiga e Jeffrey Wright.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

ANTEVISÃO: 'Hesher', de Spencer Susser

2011-04-16T14:38:00.000Z

Duncan Jones volta a surpreender

2011-04-14T21:43:00.001Z

O segundo filme de Duncan Jones prova que Moon não foi um acaso. Esta história de um soldado integrado numa experiência que implica reviver os últimos oitos minutos de um passageiro de um comboio que explodiu a fim de encontrar a bomba exige a suspensão da descrença, mas é um objecto que satisfaz tanto o intelecto quanto o coração. Com Jake Gyllenhall, Vera Farmiga e Jeffrey Wright.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

O CÓDIGO BASE (SOURCE CODE)

Realização: Duncan Jones

Intérpretes: Jake Gyllenhall, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright

Género: Thriller/Ficção Científica

Origem: (EUA/França, 2011)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (8/10)

Antes que anoiteça

2011-04-12T21:56:00.002Z

Um ‘remake’ americano de um filme de terror inglês de 1970

Remake de um thriller britânico homónimo de 1970, E a Noite a Cair (And Soon the Darkness) transplanta a acção da França rural, cenário do filme original, para o interior da Argentina, e substitui a proveniência das duas protagonistas (que passam de inglesas a americanas). E tal como no caso de Hostel, de Eli Roth, em que a Eslováquia (onde decorria a acção) saía mal-vista, agora é a vez de a Argentina rural ser retratada como lugar pouco aprazível para passar férias.

O filme centra-se em duas raparigas americanas, Stephanie (Amber Heard) e Ellie (Odette Yustman), que, num passeio de cicloturismo pela Argentina, chegam a uma pequena aldeia onde pernoitam na única estalagem do povoado. Acontece que nem tudo corre como as forasteiras previam: rapidamente aquilo que parecia um lugar idílico revela a sua face mais sombria quando Ellie desaparece misteriosamente. Mas quando Stephanie regressa ao local onde, após uma discussão, tinha deixado Ellie sozinha a tomar banhos de sol, depara com sinais de uma luta, e, temendo pela vida da amiga, resolve chamar o único polícia da região em busca de ajuda. Porém, perante a indiferença que este mostra pelo caso, Stephanie depressa percebe que tem de investigar por sua conta e risco, se quer encontrar Ellie com vida.

Co-produzido por Amber Heard, E a Noite a Cair é a estreia na realização de Marcos Efron. O filme não é propriamente um slasher movie, embora possua elementos que o aproximam desse subgénero. Mas, ao contrário do que é habitual ver nesses filmes, aqui há uma invulgar contenção ao nível do conteúdo sexual, mas também nas (parcas) doses de sangue. Apesar de ser uma película formatada e convencional, E a Noite a Cair consegue escapar a alguns clichés e lugares-comuns habituais neste género de filme. E está de longe mais perto das atmosferas ameaçadoras do thriller do que da amoralidade gore do torture-porn.

Porém, e apesar de apostar numa fotografia algo saturada que evita a imagem fotogénica e “limpinha” típica de quase todos os slasher americanos (como sucedia em Sedução Mortal, um outro slasher também protagonizado por Amber Heard), E a Noite a Cair é fiel à habitual moral que permeia o género: Stephanie, a rapariga bem-comportada, discreta e regrada é poupada, enquanto Ellie, a mais insinuante e sexualmente activa, é obrigatoriamente sacrificada, prova do conservadorismo obsoleto subjacente a um género que afinal se dirige a um público (o adolescente) que se entende como subversivo e rebelde.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

E A NOITE A CAIR (AND SOON THE DARKNESS)

Realização: Marcos Efron

Intérpretes: Amber Heard, Odette Yustman, Karl Urban

Género: Thriller

Origem: (EUA/Argentina/França, 2010)

Distribuição: PRIS Audiovisuais

Classificação: (5/10)

No reino do interior

2011-04-05T19:30:00.000Z

Uma deambulação poética que venceu a Palma de Ouro em Cannes

Marshall McLuhan dizia que o meio era a mensagem. No caso da ainda breve obra de Apichatpong Weerasethakul, pode dizer-se que é o realizador tailandês, em boa parte, a mensagem dos seus filmes. Designado por alguns como o “David Lynch da Tailândia”, Weerasethakul é um autor cujos filmes cartografam sobretudo territórios “interiores”, como se o desfilar das imagens que vemos correspondesse a uma espécie de corrente da consciência. E tal como com Lynch, os seus filmes, que obedecem a uma lógica “orgânica”, parecem querer dizer-nos: esta é a minha cabeça.

Weerasethakul explica que a ideia original do filme surgiu há alguns anos, quando vivia no nordeste tailândês e falou com um abade de um mosteiro perto da sua casa que lhe relatou a história de um ancião que aprendia meditação no templo. Esse homem, chamado Boonmee, contou-lhe que quando se encontrava num estado de meditação profunda era capaz de ver as suas vidas anteriores passarem diante dos seus olhos fechados como se fora um filme (ora era um búfalo, uma vaca ou mesmo um espírito desencarnado a vaguear pelas planícies). O abade acabaria por recolher outros relatos de “vidas passadas”, compilando-os num livro de teor espiritual que serviu de inspiração a O Tio Boonmee Que se Lembra das Suas Vidas Anteriores.

Não é fácil fazer uma sinopse deste filme, dado que estamos perante uma obra que é, sobretudo, uma deambulação poética. Podemos, porém, esboçar alguns traços gerais, apesar da tendência que nela existe para a volatilização e dissolução das linhas narrativas. A história centra-se na personagem do título, que, sofrendo de uma doença em fase terminal, escolhe retirar-se para o campo e passar os últimos dias da sua vida junto dos seus entes queridos. Mas uma noite o tio Boonmee é surpreendido pela aparição do fantasma da sua falecida mulher, que surge para velar por ele. Mas também o seu filho desaparecido há longos anos faz a sua aparição sob a forma de uma criatura não-humana…

O realizador admitiu que o filme não é sobre Boonmee, mas sim acerca da sua visão da ideia de reincarnação. Nesse sentido, é uma meditação de índole budista e panteísta acerca da natureza cíclica, impermanente e espiritual da vida. A própria estrutura narrativa do filme, dividida em seis partes interligadas que evoluem por “mutações”, reflecte conceitos budistas como a interdependência dos fenómenos ou a lei da impermanência. Mais do que um filme, O Tio Boonmee Que se Lembra das Suas Vidas Anteriores é um hipnótico exercício de meditação visual. Venceu a Palma de Ouro em Cannes 2010.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

O TIO BOONMEE QUE SE LEMBRA DAS SUAS VIDAS ANTERIORES

(LOONG BOONMEE RALEUK CHAT)

Realização: Apichatpong Weerasethakul

Intérpretes: Thanapat Saisaymar, Sakda Kaewbuadee, Jenjira Pongpas

Género: Drama/Fantasia

Origem: (Tailândia/Reino Unido/França/Alemanha/Espanha/Holanda, 2010)

Distribuição: Midas Filmes

Classificação: (7/10)

REVISOR: 'Crash'

2011-04-01T21:04:00.001Z

O CHOQUE DO FUTURO

Tão inusitado e fascinante como o livro de J. G. Ballard em que se baseia, Crash é também um dos melhores filmes de David Cronenberg

Filme-choque do Festival de Cannes de 1996 (onde arrebatou o Prémio Especial do Júri), Crash é provavelmente um dos objectos fílmicos mais insólitos da história do cinema recente. Trata-se da adaptação do livro homónimo de J. G. Ballard, um controverso romance de 1973 que ganhou estatuto de obra de culto, e onde o escritor inglês mistura sexo, acidentes de automóvel e um estranho fascínio erótico entre ambos. Bem ao gosto de David Cronenberg, desde logo por se tratar de uma desafiante adaptação de mais um livro dito “infilmável” (como The Naked Lunch, de William S. Burroughs, que adaptou em 1991), Crash conglomera muitas das obsessões do cineasta canadiano: a fusão orgânico/inorgânico, a reformulação do corpo e da mente humanos através da tecnologia moderna, as mutações corporais, sexuais e mentais ou a atracção por um vasto espectro de “doenças” do corpo e do espírito. O efeito final de Crash no espectador é uma espécie de colisão frontal com os seus conceitos de pudor, normalidade e moral.

Após um violento acidente de viação que vitima o marido de uma médica (Holly Hunter), James Ballard (interpretado por outro James, o Spader), um produtor de televisão, desenvolve uma estranha fascinação por Vaughan (Elias Koteas), que conhece na clínica onde convalesce, e pela sua personalidade doentiamente viciada em desastres de automóvel, acidentados e toda uma gama de ferimentos, mutilações e traumatismos por eles sofridos. Vaughan acaba por funcionar como um catalisador das mais bizarras fantasias sexuais de Ballard e da sua mulher Catherine (Deborah Kara Unger), sendo também uma espécie de “líder espiritual” em torno do qual gravita um pequeno grupo underground de sinistrados (do qual faz também parte a personagem de Rosanna Arquette) para quem os acidentes de viação são obras de arte, e a relação da carne com o metal dos carros uma nova forma de excitação sexual no ballardiano mundo da “morte da afecção”. Um mundo de homens emocionalmente embotados, maquínicos e robotizados, que vivem da dor auto-infligida como forma de sentirem vida ou como estratégia contra o vazio que lhes eviscerou o corpo maquinal da alma que o tornava natural (trata-se, no fundo, de propor um novo, e trágico, paradigma humano – o do homem “artificial”).

Crash não é um filme de enredo. É, como dilucidou Cronenberg numa entrevista ao estabelecer um paralelo com As Variações Goldberg de Bach, um conjunto de variações em torno de um tema: a experiência do acidente de viação como acontecimento “fertilizante” no eclodir de uma espécie de psicologia patológica fascinada com uma relação esquisitamente erotizada entre a genitália, as feridas e cicatrizes resultantes dos acidentes, os carros acidentados e os transcendentes orgasmos provocados por esta insólita conjunção (como se depois da “morte de Deus” só restasse ao homem moderno a metafísica do sexo como forma de espiritualidade).

Crash é um filme estranhamente contagiante e genial. E o génio do filme está em boa parte na forma quase profética como Cronenberg, através da metáfora do acidente como o “sexo da vida”, nos apresenta o futuro: um mundo em que a busca ilimitada do gozo sexual e do risco como antídoto contra o tédio é uma outra forma de religião.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

Um 'thriller' mediano com actores eficazes

2011-03-31T08:25:00.000Z

Esta produção da reanimada Hammer centra-se numa médica que, após uma separação, aluga um apartamento em Brooklyn a um senhorio que vive no mesmo prédio e que revelará por ela uma doentia obsessão. Primeira obra do finlandês Antti Jokinen, Perigo à Espreita é um thriller previsível e formatado, mas com interpretações eficazes de Hilary Swank, Jeffrey Dean Morgan e Christopher Lee.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

PERIGO À ESPREITA (THE RESIDENT)

Realização: Antti Jokinen

Intérpretes: Hilary Swank, Jeffrey Dean Morgan, Christopher Lee

Género: Thriller

Origem (Reino Unido/EUA, 2011)

Distribuição: Zon Lusomundo

Classificação: (5/10)

REVISOR: "Avant Que J'Oublie"

2011-03-29T11:29:00.003Z

Retrato da solidão de um escritor sexagenário e seropositivo

Terceira longa-metragem do realizador, actor e argumentista francês Jacques Nolot, Avant Que J'Oublie é também o terceiro painel de uma trilogia semi-autobiográfica sobre a condição gay que se completa com L’Arrière Pays (1998) e La Chatte à Deus Têtes (2002).

Para além de assinar a realização e o argumento, Nolot assume também o papel protagonista, na pele de Pierre Pruez, um homem de 58 anos que atravessa uma crise depressiva na sequência da morte do seu companheiro e protector, agravada pela sua condição de seropositivo por mais de 20 anos.

Antigo prostituto, Pierre debate-se agora com as angústias da doença, do envelhecimento e da solidão. Vive sozinho num exíguo apartamento parisiense, apenas saindo do seu exílio domiciliário para se encontrar com um ou outro amigo, embora se queixe de que já ninguém lhe telefona – na lamentável ditadura da felicidade em que vivemos, um deprimido é infelizmente quase visto como um lazarento que todos evitam. Paga a jovens prostitutos para ter sexo, mas parece já não encontrar nele grande satisfação (talvez os efeitos colaterais da medicação que toma lhe provoquem uma diminuição da libido, ou, como diz a um velho amigo, talvez haja sublimado os impulsos sexuais por se encontrar numa fase em que carece sobretudo de afecto). Faz psicanálise três vezes por semana, confessando ao analista que contempla o suicídio. Vemo-lo sobretudo em casa, insone, indisposto, abúlico, frustrado por não conseguir escrever (é escritor mas encontra-se bloqueado), dormindo, fumando, bebendo café. O seu corpo abatido e o seu fácies inexpressivo espelham a morte que lhe vai na alma (todo um terrível estado de “zombificação” característico de quem sofre de depressão).

Avant que J’Oublie é um retrato seco, duro e pessimista da condição dos homossexuais numa idade em que o idealismo e hedonismo da juventude há muito se tornaram impossíveis, e o prematuro fantasma da morte é uma presença que assombra e priva de ânimo aqueles que de algum modo sempre viveram na sua sombra. É uma confissão brutalmente honesta das angústias existenciais que vivem muitos homossexuais num mundo que, pese embora a liberalização de costumes, ainda lhes reserva como destino a solidão, a proscrição e a maldição. O Pierre de Jacques Nolot é um lázaro sem grande esperança de ressurreição, não apenas porque se encontra doente física e psiquicamente, mas porque há inequivocamente um obscuro anátema que ainda hoje impende sobre os homossexuais, principalmente sobre aqueles que não se vergam à deprimente cobardia do conformismo.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

AVANT QUE J’OUBLIE

Realização: Jacques Nolot

Intérpretes: Jacques Nolot, Jean-Pol Dubois, Marc Rioufol

Género: Drama

Origem: (França, 2007)

Classificação: (9/10)

Realismo espiritual

2011-03-27T11:34:00.002Z

Primeira parte de uma trilogia construída ao contrário, 'Mel' venceu o Urso de Ouro no Festival de Berlim de 2010

De vez em quando aparece um filme que nos relembra que o cinema pode ser uma nobre arte. É o caso de Mel, do cineasta turco Semih Kaplanoglu (n. 1963). Vencedor do Urso de Ouro na penúltima edição do Festival de Berlim, este filme constitui a última parte de um tríptico autobiográfico a que o realizador deu o nome de ‘Trilogia de Yusuf”, e que explora diferentes fases da vida de uma mesma personagem. Mas fá-lo, porém, numa ordem cronológica invertida, ou seja, começando pela idade adulta de Yusuf (em Egg, de 2007), passando pelos seus tempos de estudante universitário (em MilK, de 2008), e terminando na infância deste. Os três filmes têm nomes de alimentos de origem animal, mas, a avaliar por Mel, é de um autêntico alimento espiritual que se trata.

Kaplanoglu definiu o estilo do seu cinema como “realismo espiritual”. Um termo perfeito para designar um cinema que, sendo pura e simplesmente realista, não o é todavia num sentido literal, banal ou empobrecedor. Trata-se aqui de um realismo sublimado, espiritualizado, que encontra na realidade (e sobretudo no real natural) uma espiritualidade imanente, em boa parte decorrente de um olhar poético sobre as coisas. É uma poética da simplicidade que se desenha neste filme que, afinal, é mais do que um filme: é um milagre, uma epifania cinemática, um sopro de ar puríssimo.

Numa remota região do Mar Negro, Yusuf (Bora Altas), um tímido e frágil menino de seis anos, que se encontra na primeira classe, tem dificuldades em ler diante dos seus colegas de turma (é acometido de uma súbita gaguez, porventura de origem emocional, de cada vez que tem de o fazer). Porém, em casa, consegue quebrar esse bloqueio verbal, sobretudo junto do pai – mas a única forma que encontra para contornar a sua inibição é sussurrar as palavras ao ouvido deste, com quem tem uma ligação especial. Todavia, quando este, que é apicultor, desaparece nas entranhas de uma floresta aonde foi armar as suas colmeias, Yusuf deixa de falar, o que acentua ainda mais a ansiedade da sua mãe.

O lugar de Mel na ‘Trilogia de Yusuf’ é similar ao de Pather Panchali na ‘Trilogia de Apu’, de Satyajit Ray. Mas, no caso desta “prequela” de Semih Kaplanoglu, são traçadas as origens de uma alma que, futuramente, e em larga medida devido à sua relação conturbada com as palavras, se tornará poeta. Vivemos sempre muito em função dos que nos falta, e no caso de Yusuf, como aliás na maior parte dos casos, é da superação de uma insuficiência que nasce a virtude. Não sabemos até que ponto a Trilogia de Yusuf é autobiográfica; sabemos apenas que Kaplanoglu é um poeta das imagens e que Mel é um autêntico maná cinematográfico.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

MEL (BAL)

Realização: Semih Kaplanoglu

Intérpretes: Boras Altas, Erdal Besikçioglu, Tülin Özen

Género: Drama

Origem: (Turquia/Alemanha, 2010)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (10/10)

O realismo espiritual de um cineasta especial

2011-03-25T14:55:00.000Z

Este filme do cineasta turco Semih Kaplanoglu completa um tríptico autobiográfico, retratando a infância da personagem que atravessa a trilogia, e a ligação especial que a une ao seu pai, um apicultor que um dia morre num acidente de trabalho. O realizador definiu o seu estilo como “realismo espiritual”, e Mel é um autêntico maná cinematográfico. Venceu em 2010 o Urso de Ouro em Berlim.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

MEL (BAL)

Realização: Semih Kaplanoglu

Intérpretes: Boras Altas, Erdal Besikçioglu, Tülin Özen

Género: Drama

Origem: (Turquia/Alemanha, 2010)

Distribuição: Clap Filmes

Classificação: (10/10)

O vibrante triunfo da mulher-troféu

2011-03-18T11:57:00.001Z

François Ozon adapta aqui uma peça de teatro de bulevar sobre uma mulher submissa que se emancipa do marido tirânico ao assumir, com sucesso, a gerência da fábrica que este é obrigado a abandonar por pressão de trabalhadores grevistas. Com uma interpretação vibrante de Catherine Deneuve, Potiche - Minha Rica Mulherzinha é uma comédia kitsch e estereotipada que, porém, transcende os seus próprios clichés.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

POTICHE - MINHA RICA MULHERZINHA (POTICHE)

Realização: François Ozon

Intérpretes: Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Fabrice Luchini, Jérémie Renier

Género: Comédia

Origem: (França, 2010)

Distribuição: Midas Filmes

Classificação: (7/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-03-11T22:23:00.000Z

Where Dreams Go to Die, do álbum Queen of Denmark, de John Grant

"POST" DE ESCUTA

2011-03-11T18:24:00.000Z

Zebra, do álbum Teen Dream (2010), dos Beach House

Um 'thriller' de acção com um fundo teológico

2011-03-10T16:39:00.000Z

Inspirado num conto de Philip K. Dick, este filme centra-se num promissor político cujo percurso sofre uma derivação quando se apaixona por uma bailarina, fazendo entrar em cena os “agentes” que cuidam do seu Destino. Estreia na realização do argumentista George Nolfi, Os Agentes do Destino faz uma boa gestão lúdica de alguns estimulantes dilemas teológicos. Com Matt Damon e Emily Blunt.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

OS AGENTES DO DESTINO (THE ADJUSTMENT BUREAU)
Realização: George Nolfi
Intérpretes: Matt Damon, Emily Blunt, John Slattery, Anthony Mackie, Terence Stamp
Género: Thriller/Romance
Origem: (EUA, 2011)
Distribuição: Zon Lusomundo
Classificação: (7/10)

Julie Taymor reinventa e redobra Shakespeare

2011-03-03T20:09:00.001Z

Depois de Titus (1999), Julie Taymor volta a Shakespeare para recriar a última peça do Bardo. A realizadora americana troca o sexo ao protagonista, pondo Helen Mirren no papel de Próspero, e utiliza efeitos visuais kitsch e sequências musicais para propor uma versão quase camp de uma história de vingança e perdão. Embora interessante, A Tempestade peca todavia pela sobredose de informação.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

A TEMPESTADE (THE TEMPEST)
Realização: Julie Taymor
Intérpretes: Helen Mirren, Felicity Jones, Djimon Hounsou, Chris Cooper, David Strathairn, Ben Whishaw
Género: Drama/Comédia/Fantasia
Origem: (EUA, 2010)
Distribuição: Zon Lusomundo
Classificação: (6/10)

O tempo, esse grande destruidor

2011-02-27T12:24:00.000Z

Michelle Williams e Ryan Gosling interpretam um casal cujo amor implode e não resiste à passagem do tempo

Em Blue Valentine – Só Tu e Eu, Michelle Williams e Ryan Gosling interpretam um casal cujo amor implode e não resiste à passagem ruinosa do tempo. Dirigido por Derek Cianfrance, realizador americano de 35 anos que estudou sob a alçada de cineastas vanguardistas como Stan Brakhage e Phil Solomon, e que esperou doze anos para poder concretizar esta sua segunda longa-metragem, Blue Valentine – Só Tu e Eu tem nos desempenhos naturalistas e crus da dupla de actores principais a sua grande linha de força.

Um pouco à semelhança de filmes como Irreversível, de Gaspar Noé, ou 5X2, de François Ozon, que retratavam em analepse um desastre conjugal, Blue Valentine – Só Tu e Eu conta a história da dissolução de um casamento através do retrato de cenas da vida conjugal, alternando momentos do estado nascente do amor com outros, anos volvidos, em que esse amor se perdeu pelo caminho.

Esta é a história da paixão entre Cindy (Michelle Williams) e Dean (Ryan Gosling), ela uma estudante de medicina, ele um sedutor sem ambição que não finalizou o ensino secundário e trabalha numa empresa de mudanças nova-iorquina. Assistimos ao ritual da corte e ao estado de encantamento inicial, entremeado com cenas do estertor do casamento anos mais tarde. Não sabemos bem o que aconteceu pelo meio. O filme é deliberadamente elíptico e misterioso, deixando-nos escassas mas sugestivas pistas para podermos imaginar algumas das razões que contribuíram para o desmoronar daquele casamento.

Como se fora um psicanalista, o espectador é chamado a recolher um punhado de sinais para poder decifrar o mistério daquele amor malogrado. Estaria a relação amaldiçoada desde o início pelo passado de Cindy, cujos pais foram infelizes no casamento? Terá a falta de ambição de Dean desiludido Cindy? Ou será que a coabitação excessiva perverte as relações entre as pessoas? Questões que pairam por sobre os escombros de um casamento que a passagem do tempo colapsou.

Escrito pelo realizador, que anos a fio adiou o projecto por falta de financiamento, Blue Valentine – Só Tu e Eu é um filme que respira autenticidade e honestidade no retrato ultra-realista e anti-romântico que faz de um amor condenado ao fracasso. Ryan Gosling confirma o seu grande talento, e Michelle Williams (nomeada ao Óscar de Melhor Actriz) prova que é uma das melhores actrizes da sua geração. De resto, o filme está muitíssimo bem realizado, revelando Cianfrance um apurado sentido estético e fotográfico.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

BLUE VALENTINE – SÓ TU E EU (BLUE VALENTINE)
Realização: Derek Cianfrance
Intérpretes: Michelle Williams, Ryan Gosling, Faith Wladyka
Género: Drama
Origem: (EUA, 2010)
Distribuição: Zon Lusomundo
Classificação: (9/10)

Uma visão ligeira de um episódio dramático

2011-02-24T14:52:00.003Z

James Franco protagoniza esta história baseada na experiência real de um escalador que durante cinco dias ficou preso debaixo de uma pedra num desfiladeiro no Utah, tendo que amputar um braço para se libertar. Danny Boyle dirige com virtuosismo visual, mas 127 Horas, apesar do admirável solo acting de Franco, é demasiado formalista e ligeiro na abordagem a um tema que pedia mais pathos.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“127 Horas” (“127 Hours”)
Realização: Danny Boyle
Intérpretes: James Franco, Amber Tamblyn, Kate Mara
Género: Aventura/Drama
Origem: (EUA/Reino Unido, 2010)
Distribuição: Castello Lopes Multimédia
Classificação: (6/10)

A cidade das solidões invisíveis

2011-02-21T19:37:00.001Z

Três cineastas contam três histórias em que a capital japonesa é a protagonista

Na linha de filmes como Paris, Je T’Aime e New York, I Love You – obras colectivas em que realizadores ilustres, tomando como inspiração cidades icónicas, dirigiam curtas-metragens que, além de ter tais cidades como cenário e tentar captar o seu espírito próprio, eram também homenagens personalizadas a essas metrópoles –, Tóquio! propõe três histórias (assinadas por Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-ho) em que a protagonista é a capital japonesa.

Porém, ao contrário desses filmes, que eram sobretudo declarações de amor a duas cidades com óbvios encantos, Tóquio! mantém com a metrópole japonesa uma relação mais ambivalente e complexa. É certo que nenhum dos segmentos deste tríptico pretende dar-nos uma visão de Tóquio como “megalópole desumana”, mas também nenhum dos seus autores aposta num olhar reverente, “turístico” ou “romântico”. Antes pelo contrário: se há romantismo em Tóquio!, é romantismo na pura acepção do termo, ou seja, no sentido de propor uma visão melancólica, solipsista e assombrada da cidade mais populosa do mundo.

Em Interior Design, Michel Gondry filma um conto de recorte kafkiano em que uma das personagens, uma jovem mulher sem objectivos claros na vida, por contraste com o namorado, decidido a tornar-se realizador de cinema, se “transforma” numa cadeira. Mais simbólico do que surrealista, esta história fala-nos da sensação de “coisificação’ sentida por alguém cujo amor-próprio vacila perante a determinação e auto-confiança do seu parceiro.

Leos Carax, que já não dirigia um filme desde Pola X (1999), tem em Merde um apontamento bizarro em torno de um homem selvagem e anti-social que sai dos esgotos para apavorar os transeuntes. Denis Lavant encarna este ser louco naquele que é o segmento mais provocador e escatológico.

O realizador sul-coreano Bong Joon-ho (autor do óptimo A Criatura) dá-nos em Shaking Tokyo uma história tragicómica sobre um hikikomori que vive recluso há 10 anos no seu apartamento e que um dia arrisca estabelecer contacto visual com uma entregadora de pizzas por quem vem a apaixonar-se. Este é o painel mais “esperançoso” de um tríptico dominado pelo negrume existencial.

Qualquer destas histórias traduz um sentimento de solidão e mal-estar urbanos. Se Gondry opta, para falar da alienação urbana, por um realismo fantástico que nos inspira uma certa sensação de déjà vu, Carax é mais imaginativo na sua abordagem do tema da relação de fascínio-repulsa que os media mantêm com os “monstros”. Mas o mais criativo dos filmes é o de Joon-ho, que com humanismo e humor aborda um tema sensível na sociedade japonesa.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“TÓQUIO!” (“TOKYO!”)
Realização: Michel Gondry/Leos Carax/Bong Joon-ho
Intérpretes: Ayako Fujitani, Denis Lavante, Teruyuki Kagawa
Género: Drama
Origem: (França/Japão/Coreia do Sul/Alemanha, 2008)
Distribuição: Clap Filmes
Classificação: (7/10)

ANTEVISÃO: 'The Tree of Life', de Terrence Malick

2011-02-19T12:03:00.000Z

A tortura do Rei George

2011-02-15T21:49:00.001Z

Colin Firth encarna o rei George VI na sua luta contra a gaguez

Depois de no ano passado ter sido nomeado ao Óscar pelo seu papel de um professor homossexual tentado pelo suicídio em Um Homem Singular, de Tom Ford, Colin Firth volta a ser nomeado com uma personagem de nome idêntico. Em O Discurso do Rei, o actor inglês encarna o rei George VI na sua luta contra a gaguez.

Com argumento de David Seidler, escritor e guionista americano que na juventude tomou o rei George VI como role model que o ajudou a ultrapassar a sua própria gaguez, o filme narra a história (inspirada na realidade) da relação de ajuda e amizade entre o Príncipe Albert, Duque de York (Colin Firth) e Lionel Logue (Geoffrey Rush), um terapeuta da fala australiano que utilizava métodos heterodoxos para ajudar os seus clientes.

O Discurso do Rei retrata a luta do Príncipe Albert, futuro rei George VI, para lidar com a sua disfemia, que o acompanhava desde a infância e que o levara a consultar sem sucesso os mais reputados especialistas. Desmoralizado por sucessivos falhanços e vendo perfilar-se a hipótese de ascensão ao trono, Albert é persuadido pela sua mulher, Elizabeth (Helena Boham Carter), a consultar um terapeuta sem credenciais que, todavia, graças aos seus métodos pouco usuais, registara vários casos de sucesso.

Dirigido pelo inglês Tom Hooper (Maldito United), cuja série que realizou para o HBO sobre a revolução americana, John Adams, foi um enorme sucesso nos Estados Unidos, arrecadando o número recorde de 13 Emmys, O Discurso do Rei é um retrato intimista e fluido de um homem cujo forte sentido de responsabilidade e dever lhe faziam temer o papel que lhe cabia representar. Daí que a abordagem de Logue, mais do que meramente “mecanicista”, fosse sobretudo psicológica, dado que a gaguez de Albert tinha também uma origem nervosa. No fundo, Logue servia-se da velha técnica da maiêutica socrática que é uma das bases da psicoterapia moderna – representava para Albert o papel de um facilitador, de um “parteiro” da sua voz.

Colin Firth interpreta o protagonista com subtileza e moderação, num papel que poderia facilmente resvalar para a composição estereotipada e maneirista. O actor mantém sempre credível a tartamudez de Albert, nunca exagerando nos “tiques”, ao mesmo tempo que lhe confere uma tocante e solene melancolia. A nomeação ao Óscar de melhor actor principal deverá traduzir-se numa vitória quase certa. O Discurso do Rei está nomeado em 12 categorias, incluindo melhor filme, realizador, e actores secundários (Geoffrey Rush e Helena Bonham Carter).

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“O DISCURSO DO REI” (“THE KING’S SPEECH”)
Realização: Tom Hooper
Intérpretes: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Guy Pearce, Claire Bloom
Género: Drama
Origem: (Reino Unido/Austrália/EUA, 2010)
Distribuição: Zon Lusomundo
Classificação: (7/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-02-13T13:08:00.000Z

I Want to Go to Marz (do álbum Queen of Denmark, de John Grant)

"POST" DE ESCUTA

2011-02-11T13:26:00.000Z

I Am the White Mantled King (do álbum The Province Complains, dos Cats on Fire)

A agonia e o êxtase

2011-02-09T20:06:00.001Z

Natalie Portman brilha no papel de uma bailarina que vive a sua personagem

Darren Aronofsky regressa com um novo filme que mantém com a sua anterior obra, O Wrestler, algumas curiosas rimas, sendo ambos, como notou o cineasta, filmes que se harmonizam bem entre si. Isto porque Cisne Negro envolve também, à semelhança daquele, alguém que cultiva uma arte – neste caso, o bailado – física e emocionalmente exigente. E tal como O Wrestler deu a Mickey Rourke o papel da sua vida, Cisne Negro proporciona a Natalie Portman – actriz que até aqui nunca fora muito além da mediania – a sua melhor interpretação até à data.

Cisne Negro conta a história de Nina (Natalie Portman), uma jovem bailarina de uma companhia de bailado nova-iorquina que é escolhida para interpretar o papel capital numa versão “visceral e real” do clássico O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky. Nina vive com a mãe, Erica (Barbara Hershey), que se dedica obsessivamente a promover o sucesso da filha por ela própria não ter vingado no mundo da dança. Mas quando Thomas (Vincent Cassel), o director artístico da companhia, a escolhe para encarnar o duplo papel do cisne branco e do cisne negro, surgem nele dúvidas quanto à sua capacidade de interpretar o segundo, que exige uma sensualidade que Nina – algo frígida e esquizóide – parece não ter. E para complicar-lhe ainda mais a vida, surge uma rival, Lily (Mila Kunis), que personifica na perfeição o cisne negro.

Darren Aronofsky admitiu como principais influências em Cisne Negro duas obras também elas influentes: O Duplo, de Fiódor Dostoiévski, e O Inquilino, de Roman Polanski (um dos grandes filmes sobre a paranóia e o delírio). E o que está em causa neste thriller psicológico é justamente o vacilar de uma mente submetida a uma pressão fragmentadora e com duas facetas conflitantes – uma inocente e “angelical”, outra obscura e “demoníaca”. De certa forma, Nina é chamada a vencer a “tentação do angelismo” e a reconhecer o seu potencial “negro”. Mas este é também um conto sobre o sacrifício inerente a toda a autêntica criação artística.

Portman é magnífica no papel de uma jovem mulher embotada pela superprotecção materna, sendo provável que a sua interpretação, já distinguida com um Globo de Ouro, lhe venha a granjear um Óscar (Hershey e Kunis podiam também ter sido nomeadas como secundárias). Nomeado em cinco categorias (incluindo melhor filme e realizador), Cisne Negro é uma pequena obra-prima, plena de intensidade dramática e criativa.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“CISNE NEGRO” (“BLACK SWAN”)

Realização: Darren Aronofsky

Intérpretes: Natalie Portman, Barbara Hershey, Mila Kunis, Vincent Cassel

Género: Thriller Psicológico

Origem: (EUA, 2010)

Distribuição: Castello Lopes Multimédia

Classificação: (9/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-02-04T18:06:00.000Z

Tyrant Destroyed (do álbum Forget, de Twin Shadow)

Michel Gondry gasta-se em filme inconsequente

2011-02-03T14:26:00.000Z

Michel Gondry assina aqui uma comédia de acção inspirada nas séries de televisão dos anos 60 com Bruce Lee. Seth Rogen e Jay Chou encarnam um par de super-anti-heróis que lutam na sombra contra o gang de vilões chefiado pela personagem de Christoph Waltz. O maior erro de casting em Green Hornet é o próprio Gondry, que se gasta num filme cheio de som e fúria que nada significa.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“GREEN HORNET” (“THE GREEN HORNET”)
Realização: Michel Gondry
Intérpretes: Seth Rogen, Jay Chou, Christoph Waltz, Cameron Diaz, Tom Wilkinson, Edward James Olmos
Género: Comédia/Acção
Origem: (EUA, 2011)
Distribuição: Columbia Tristar Warner
Classificação: (4/10)

REVISOR: "Entrevista"

2011-01-29T20:51:00.001Z

Baseado no filme homónimo do realizador holandês Theo van Gogh (que morreu assassinado por um extremista islâmico em 2004), Entrevista é a quarta longa-metragem de Steve Buscemi, conhecido sobretudo pelo seu trabalho de actor, não raras vezes associado a um certo cinema de cariz mais independente. Para além de realizar, Buscemi protagoniza também este remake sobre um jornalista político destacado a contragosto para entrevistar uma actriz/celebridade (Sienna Miller) cujo estilo despreza no seu defensivo snobismo intelectual. Todavia, após um pequeno incidente, acaba por passar a noite no apartamento desta, e a relação de intimidade que estabelecem parece revelar afinal duas almas mais afins do que as aparências fariam supor. Entrevista tem a dimensão de uma peça teatral para dois actores confinados a um espaço restrito, sendo um filme que vive de uma estimulante dialéctica entre dois estranhos com especial talento para a ficção. Inesperado, o final guarda uma lição: não só a autenticidade pode ser um grande risco, como é das coisas mais difíceis de conseguir.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“ENTREVISTA” (“INTERVIEW”)
Realização: Steve Buscemi
Intérpretes: Sienna Miller, Steve Buscemi
Género: Drama
Origem: (EUA/Canadá/Holanda, 2007)
Classificação: (7/10)

Javier Bardem redime drama longo e pesado

2011-01-27T18:17:00.001Z

O quarto filme do mexicano Alejandro González Iñárritu vale sobretudo pela interpretação profunda de Javier Bardem (premiada em Cannes e nomeada ao Óscar), no papel de um homem com um cancro em fase terminal, mas cuja vida é tão atarefada que nem lhe permite morrer em paz. O realizador descreveu-o como um “poema sórdido”, porém Biutiful acaba por ter mais de sórdido que de lírico.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“BIUTIFUL” (“BIUTIFUL”)
Realização: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Hanaa Bouchaib
Género: Drama
Origem: (Espanha/México, 2010)
Distribuição: Castello Lopes Multimédia
Classificação: (7/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-01-26T19:55:00.000Z

This Bitter Earth / On the Nature of Daylight, por Dinah Washington & Max Richter

O sexto sentido

2011-01-24T18:00:00.002Z

Clint Eastwood sonda os mistérios da vida para além da morte

Hereafter - Outra Vida, a 31ª longa-metragem assinada por Clint Eastwood, marca uma incursão do veteraníssimo actor e realizador por territórios que o cinema costuma tratar dentro dos limites do fantástico e, em geral, com recurso a sofisticados efeitos especiais. Neste caso, o território obscuro, especulativo e misterioso das experiências de quase-morte, mas também dos espíritos mediúnicos que alegam ter vislumbres do Além.

Sendo o maior tabu do mundo moderno, o tema da morte raramente é tratado no cinema com sobriedade e dignidade. Porém, Clint Eastwood trata-o aqui com exemplar maturidade espiritual. O filme é, aliás, um desafio aos preconceitos e resistências que geralmente rodeiam quem aborda ou relata experiências pessoais nos domínios da parapsicologia ou das “ciências ocultas” (um tipo de preconceito abundante num mundo em que imperam a racionalidade e o pragmatismo blindados a toda a espécie de “infiltração” metafísica).

O filme acompanha o percurso de três personagens cujos destinos autónomos se cruzam no final. George (Matt Damon), um homem que vive em São Francisco e tem poderes mediúnicos que lhe permitem comunicar com os espíritos dos que já partiram, e que em tempos chegou a ganhar a vida dando consultas a pessoas desejosas de contactar com os seus entes queridos falecidos, mas que deixou de o fazer por sentir que o seu dom o impedia de ter uma vida normal; Marie (Cécile de France), uma jornalista de televisão francesa que, após uma experiência de quase-morte na sequência de um tsunami, é tocada pelo mistério do Além e decide escrever um livro relatando a sua história; e Marcus (Frankie McLaren), um jovem rapaz londrino perdido no mundo depois da morte do seu irmão gémeo. Estes três estranhos estão destinados a encontrar-se na medida em que só eles se podem ajudar entre si.

Com argumento do "insuspeito" Peter Morgan ("insuspeito" porque até agora nunca abordara um tema tão “etéreo”, sendo conhecido como autor dos guiões de filmes como Frost/Nixon ou A Rainha), Hereafter - Outra Vida trata com o máximo grau possível de credibilidade um tema difícil e propício a abordagens “implausíveis” e “esotéricas”. É um filme feito para cépticos por alguém que parece abrir-se à possibilidade do Mistério. Mas é também um filme austero, enxuto e com um domínio perfeito do tom (sério, contemplativo e sereno). Um filme que, sendo sobre a vida para além da morte, é sobretudo uma meditação sobre um homem que foge ao seu dom por saber que todo o dom é sempre também uma maldição.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

Clint Eastwood sonda os mistérios do além

2011-01-21T18:15:00.002Z

Aos 80 anos, Clint Eastwood assina a sua 31ª obra, que marca uma incursão por territórios que o cinema costuma tratar nos domínios do fantástico. Matt Damon interpreta um homem com poderes mediúnicos que contacta com os mortos, mas que renega o seu dom, por este o impedir de ter uma vida normal. Hereafter - Outra Vida trata com credibilidade e justeza de tom um tema dado a abordagens implausíveis.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“HEREAFTER – OUTRA VIDA” (“HEREAFTER”)
Realização: Clint Eastwood
Intérpretes: Matt Damon, Cécile De France, Bryce Dallas Howard
Género: Drama
Origem: (EUA, 2010)
Distribuição: Columbia Tristar Warner
Classificação: (8/10)

"POST" DE ESCUTA

2011-01-19T19:55:00.000Z

Sometimes, do álbum History of Modern (2010), dos OMD

Por trás daquela favela

2011-01-16T13:47:00.002Z

Uma das mais perigosas favelas da América Latina vista pelos olhos de um português

Dois irmãos portugueses, Mário e Pedro Patrocínio, arriscaram avançar, sem apoios financeiros, com o projecto de documentar a vida no Complexo do Alemão, a mais temida favela do Brasil. Complexo: Universo Paralelo, que ganhou o prémio Direitos Humanos no Artivist Film Festival, certame norte-americano dedicado aos direitos humanos e dos animais, e à preservação do ambiente, suscita no entanto uma questão: até que ponto não é pretensão exibir no grande ecrã um objecto que, não obstante a sua competência técnica, não ultrapassa nunca os limites da reportagem televisiva sofisticada?

Mário e Pedro Patrocínio (realizador e director de fotografia, respectivamente) embrenharam-se com a sua câmara no labiríntico e caótico Complexo do Alemão, um aglomerado de 13 favelas na zona norte do Rio de Janeiro, com uma área de cerca de três quilómetros quadrados onde moram mais de 300 mil pessoas, e que concentra cerca de 40 porcento dos crimes cometidos na cidade. Desenvolvido ao longo de três anos com financiamento próprio (o que obrigou a recorrer a material alugado), Complexo – Universo Paralelo é uma tentativa de cartografar e registar a realidade de um mundo marginal em que a miséria leva alguns a adoptar como modo de vida o crime (principalmente o narcotráfico).

Filmado em 2007, numa altura de forte tensão e violência no Complexo do Alemão, então cercado por 1500 polícias levando a cabo uma mega-operação que visava afastar o poder paralelo na região (ligado aos traficantes), Complexo – Universo Paralelo retrata a vida dura e pobre da favela, centrando-se em três figuras de certa forma representativas de várias gerações de moradores locais. Dona Célia, uma mulher desempregada mas lutadora, mãe de oitos filhos, e com uma inabalável crença em Jesus, que diz que acredita em Deus porque é uma vencedora; Seu Zé, um homem simples e vivido que tem um profundo conhecimento da vida na favela e um olhar crítico sobre a “deseducação” que os seus habitantes sofrem; e Mc Playboy, um músico de funk que pretende mostrar aos mais jovens que existe uma alternativa ao tráfico.

Complexo – Universo Paralelo teve antestreia na mais recente edição do DocLisboa, onde foi um sucesso de público. Mas apesar de ser um documentário tecnicamente bem feito, a verdade é que não deixa de ser também um retrato convencional e superficial (não obstante a sua movimentação intersticial) de um mundo marginal e original que exigia um olhar mais profundo (ou seja, mais cinematográfico). Isto é televisão de grande qualidade, mas nunca franqueia o limiar estético, estilístico e retórico que separa televisão de cinema.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“COMPLEXO: UNIVERSO PARALELO”
Realização: Mário Patrocínio
Direcção de fotografia: Pedro Patrocínio
Género: Documentário
Origem: (Portugal, 2010)
Distribuição: Valentim de Carvalho Multimédia
Classificação: (6/10)

Intriga internacional

2011-01-10T23:03:00.001Z

Angelina Jolie e Johnny Depp protagonizam um ‘thriller’ romântico morno

Depois de uma auspiciosa estreia em As Vidas dos Outros, um filme independente celebrado pela crítica e distinguido com múltiplos prémios (entre eles o Óscar de melhor filme estrangeiro em 2007), Florian Henckel von Donnersmarck embarcou numa produção ligada a um grande estúdio e com vedetas de topo como Angelina Jolie e Johnny Depp.

O Turista deixa-nos, porém, a sensação de que o realizador alemão de 37 anos se aventurou pelos domínios de um género – o thriller romântico de raiz europeia – que gostaria de dominar como o Hitchcock de Intriga Internacional ou o Stanley Donen de Charada, mas por onde passa como uma espécie de turista acidental – “turista”, porque há aqui uma lógica de “passeio” por lugares (urbanos e narrativos) “pitorescos”, e “acidental”, porque podia ter sido qualquer um a realizar este remake de um filme francês de 2005 intitulado Anthony Zimmer.

A verdade é que há qualquer coisa de artificial em O Turista – desde as expressões postiças de Angelina Jolie, que parece ter sido trocada por uma versão robotizada da sua boneca de cera do Madame Tussauds, até ao cigarro de plástico “fumado” pela personagem de Depp (metáfora involuntária de toda a artificialidade do filme). E até o argumento, escrito pelo realizador em parceria com Christopher McQuarrie (Os Suspeitos do Costume) e Julian Fellowes (Gosford Park), possui um conjunto de mcguffins, twists e códigos de género estafados e previsíveis.

Angelina Jolie é Elise Ward (papel que no filme original cabia a Sophie Marceau), uma agente secreta outrora destacada pela Interpol para capturar um fugitivo de nome Alexander Pearce, mas que se apaixonou por ele, tornando-se sua cúmplice. A acção do filme inicia-se em Paris, onde Elise, seguida pela Scotland Yard, recebe uma mensagem de Pearce pedindo-lhe que apanhe um comboio para Veneza, e que escolha um passageiro sensivelmente da altura dele de forma a fazer a polícia acreditar tratar-se do verdadeiro Alexander Pearce. Elise “escolhe” Frank (Depp), um professor de matemática americano por quem se apaixona e que envolve numa intriga de identidades falsas.

Mal recebido pela crítica norte-americana, que talvez esperasse encontrar aqui cenas de perseguição mais bem coreografadas ou maior química entre o par romântico, O Turista é um filme que, apesar das suas fraquezas – a mais evidente sendo o fracassar do elemento de comédia que Donnersmarck, um pouco à semelhança de Charada, pretende misturar ao suspense e ao romance –, consegue entreter minimamente o espectador que não lhe exija aquilo que ele, na sua estrutura limitada, não pode dar.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“O TURISTA” (“THE TOURIST”)
Realização: Florian Henckel von Donnersmarck
Intérpretes: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton
Género: Thriller Romântico
Origem: (EUA/França, 2010)
Distribuição: Columbia TriStar Warner
Classificação: (6/10)

ANTEVISÃO: 'Black Swan', de Darren Aronofsky

2011-01-10T01:27:00.000Z

Angelina Jolie em piloto automático

2011-01-06T22:14:00.000Z

A segunda longa-metragem do realizador do celebrado As Vidas dos Outros é um remake de um filme francês de 2005 e tem Angelina Jolie e Johnny Depp como protagonistas de uma intriga de identidades falsas com Veneza em fundo. O Turista é um thriller romântico herdeiro de Hitchcock (mas sem a sua mestria) em que Jolie parece uma versão robotizada da sua boneca do Madame Tussauds.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“O TURISTA” (“THE TOURIST”)
Realização: Florian Henckel von Donnersmarck
Intérpretes: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton
Género: Thriller Romântico
Origem: (EUA/França, 2010)
Distribuidora: Columbia TriStar Warner
Classificação: (6/10)

OS MELHORES DE 2010

2010-12-22T20:35:00.001Z

1º) EU SOU O AMOR, de Luca Guadagnino

2º) KATALIN VARGA, de Peter Strickland

3º) SHUTTER ISLAND, de Martin Scorsese

4º) JOSÉ E PILAR, de Miguel Gonçalves Mendes

5º) UM HOMEM SINGULAR, de Tom Ford

6º) GREENBERG, de Noah Baumbach

7º) COPACABANA, de Marc Fitoussi

8º) PRESENTE DE MORTE, de Richard Kelly

9º) O REFÚGIO, de François Ozon

10º) O LAÇO BRANCO, de Michael Haneke

Um conto trágico nos Cárpatos

2010-12-21T22:05:00.002Z

Uma primeira obra surpreendente e profundamente envolvente

Peter Strickland era até há pouco tempo um ilustre desconhecido. Mas depois de Katalin Varga, o seu filme de estreia, ter passado no Festival de Berlim (onde ganhou um Urso de Prata pelo trabalho de som), o nome deste realizador britânico de 37 anos, natural de Reading, tornou-se justamente conhecido. Porque esta é daquelas obras raras que fazem, pela originalidade e liberdade de espírito, um nome. Neste caso, um nome que significa, pela preciosa amostra, Cinema – do mais puro e genuíno.

Strickland é alguém que faz um cinema que se pode denominar, com propriedade, de “independente”. A história da génese de Katalin Varga é um exemplo a toda a prova de independência (artística, de espírito e de meios). Com um orçamento de 30 mil euros, provenientes de uma herança familiar, o realizador foi para a Transilvânia, e com uma equipa formada in loco (de apenas onze elementos), e um elenco de actores locais, rodou em apenas três semanas este conto trágico que levaria contudo dois anos e meio a ser finalizado devido à falta de dinheiro. O resultado é uma película fenomenal e assombrosa dirigida por um inglês, passada na Roménia (nos Cárpatos) e falada em Húngaro.

Katalin Varga é a história de um segredo ocultado que subitamente é descoberto. Esse segredo inefável diz respeito à violação sexual sofrida pela personagem do título, uma jovem mulher que é expulsa de casa pelo marido quando este descobre que o “seu” filho de 10 anos afinal é filho do homem que violou Katalin (Hilda Péter). Quando esta se vê proscrita pelo marido e pela aldeia onde vive, decide partir, juntamente com o filho, Orbán (Norbert Tankó), numa carroça puxada por um cavalo, em busca do homem que a desonrou com o objectivo de fazer justiça pelas próprias mãos.

Com argumento do realizador, Katalin Varga é uma espécie de conto popular trágico mesclado de filme de perseguição e filme de violação e vingança. Porém, o que mais impressiona nesta obra corajosamente pessoal é a forma como consegue, através de um espantoso trabalho de sound design, criar atmosferas carregadas de tensão, medo e assombração. Por vezes, parece o filho artístico de uma espécie de união entre Béla Tarr e David Lynch, mas com uma personalidade que é mais que a mera soma das partes. E Hilda Péter é de uma intensidade verdadeiramente cativante. Tudo isto faz desta obra enigmática e envolvente um dos mais sérios candidatos a constar nas listas dos melhores filmes de 2010.

(texto originalmente publicado na revista NS do Diário de Notícias)

“KATALIN VARGA” (“KATALIN VARGA”)
Realização: Peter Strickland
Intérpretes: Hilda Péter, Norbert Tankó, László Mátray, Tibor Pálffy
Género: Drama
Origem: (Roménia/Reino Unido, 2009)
Distribuidora: Midas Filmes
Classificação: (9/10)

Expiar culpa burguesa com pequena caridade

2010-12-11T12:18:00.000Z

A quarta longa-metragem de Nicole Holofcener é um retrato realista (perto do naturalismo do mumblecore) de uma mulher nova-iorquina (Catherine Keener) que negoceia em mobiliário antigo e tenta amortizar a culpa burguesa através de acções de caridade. Encontros em Nova Iorque é uma meditação compassiva e bem-humorada sobre a necessidade da ética no mundo moderno. Também com Rebecca Hall.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“ENCONTROS EM NOVA IORQUE” (“PLEASE GIVE”)
Realização: Nicole Holofcener
Intérpretes: Catherine Keener, Oliver Platt, Rebecca Hall
Género: Comédia Dramática
Origem: (EUA, 2010)
Distribuidora: Columbia
Classificação: (7/10)

O americano intranquilo

2010-12-05T21:45:00.000Z

O segundo filme do fotógrafo e realizador holandês Anton Corbijn tem George Clooney na pele de um assassino profissional

Anton Corbijn celebrizou-se como fotógrafo e autor de telediscos, antes de se estrear na realização cinematográfica em 2007 com Control, um notável biopic sobre a vida trágica do líder dos Joy Division, Ian Curtis. E se a segunda obra de um autor promissor é sempre um teste à sua capacidade de se manter no bom caminho, o que podemos dizer de O Americano, a segunda longa-metragem de Corbijn, é que supera a prova com distinção. E, tal como Control, este filme tem como personagem central um homem incapaz de mudar o curso da sua vida.

Essa personagem é Jack (George Clooney), um assassino profissional que, após um trabalho que corre mal, é obrigado a refugiar-se numa pequena aldeia italiana nas montanhas de Abruzzo. Aí, sob uma identidade falsa de fotógrafo, e aguardando pelo próximo serviço, Jack (agora Edward) trava conhecimento – e a palavra “trava” tem aqui sentido literal, porque se trata mesmo de travar e bloquear a revelação da sua identidade – com o pároco local, o padre Benedetto (Paolo Bonacelli), que o aconselha a buscar a redenção, e com uma prostituta, Clara (Violante Placido), que, tal como ele, mantém na sua profissão um distanciamento emocional face ao Outro.

Adaptação do livro A Very Private Gentleman, de Martin Booth, O Americano é um drama intimista com enredo minimalista, ritmo lento e parcimónia verbal. O filme adquire, porém, maior tensão dramática quando Jack contacta com Mathilde (Thekla Reuten), uma mulher que lhe encomenda o fabrico de uma arma que aquele, a certa altura, desconfia poder tê-lo a si como alvo. Uma suspeição que instaura um clima de paranóia e acentua a solidão de Jack, activando ainda no filme um gene de thriller até aí algo adormecido.

O Americano confirma Corbijn como um talentoso esteta. É um facto que falta alguma densidade psicológica à acção, incorrendo o filme num certo formalismo. Mas o seu carácter de exercício de estilo é afinal coerente com o vazio interior da personagem de Clooney. Jack é um homem que em vão busca uma saída para a sua vida, que tenta escapar à sua identidade maldita, mas que percebe que todas as tentativas de escapar a si próprio são inúteis. Em última instância, só a morte poderá funcionar para si como libertação e evasão de uma vida circular e sem possibilidade de redenção.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“O AMERICANO” (“THE AMERICAN”)
Realização: Anton Corbijn
Intérpretes: George Clooney, Paolo Bonacelli, Violante Placido
Género: Drama
Origem: (EUA, 2010)
Distribuidora: Ecofilmes
Classificação: (7/10)

Um homem em fuga de si mesmo

2010-11-12T12:57:00.006Z

Um vendedor de tractores quarentão e gay envolve-se sexualmente com uma adolescente que se enamora dele depois de este a ter salvo de ser agredida por um bando de rufias. Mas tem de enfrentar a oposição dos pais dela e de uma série de gente que se opõe ao namoro. Inconsequente e de gosto duvidoso, O Rei da Evasão veicula ainda o preconceito de que a homossexualidade é uma escolha.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“O REI DA EVASÃO”
(“LE ROI DE L’ÉVASION”)
Realização: Alain Guiraudie
Intérpretes: Ludovic Berthillot, Hafsia Herzi, Luc Palun
Género: Comédia
Origem: (França, 2009)
Distribuidora: Alambique
Classificação: (4/10)

Uma comédia dramática com Isabelle Huppert

2010-11-08T13:35:00.004Z

Em ‘Copacabana’, a actriz francesa interpreta uma personagem que contraria a sua imagem de marca

Isabelle Huppert num papel que contraria a sua habitual imagem na tela é um dos motivos de interesse de Copacabana, segunda longa-metragem de Marc Fitoussi, que hoje passa no Estoril Film Festival (17.00, Centro de Congressos). A actriz francesa ensaia aqui um registo de comédia dramática no qual não estamos acostumados a vê-la, mas com resultados admiráveis, criando uma personagem espaventosa em tudo oposta à sua persona cinematográfica, sem dúvida mais ligada a uma ideia de mulher elegante e glacial.

Em Copacabana, Huppert interpreta a personagem de Babou, uma mulher que ronda os 50 anos e cuja personalidade excêntrica e garrida constrange a filha (Lolita Chammah, filha de Huppert na vida real), que, mais “apagada”, tem dificuldade em lidar com a exuberância da mãe. Quando a filha lhe diz que deseja casar-se, mas que prefere não convidá-la para o casamento porque receia que esta a envergonhe, Babou, movida pela vontade de reconquistar o afecto da filha, mas também pela culpa de não se ajustar às regras sociais, decide tentar ter uma vida “normal”. Para isso, arranja um emprego como vendedora de apartamentos em time-sharing no litoral belga, um trabalho em que inesperadamente se revela bastante competente. Porém, Babou é uma daquelas aves raras e esplêndidas que nasceram para viver fora da gaiola do sistema.

Com uma interpretação magnífica de Isabelle Huppert (ao mesmo tempo espirituosa e melancólica), Copacabana é um retrato audaz de uma mulher livre e suficientemente inteligente para não se deixar fechar na gavetinha de tamanho normalizado das convenções sociais (sejam elas de carácter psicológico, comportamental ou profissional). Alguém para quem a conformidade e a resignação a normas diversas representa uma limitação e estreiteza inadmissíveis.

Também autor do argumento, o realizador Marc Fitoussi propõe-nos em Copacabana um filme inteligente e com diálogos bem escritos que, entre vários temas, reflecte sobre o preconceito que as pessoas mais discretas e sisudas por vezes têm em relação às mais extrovertidas, que em certos casos são vistas por aquelas como pessoas levianas.

(texto originalmente publicado na edição de 8 de Novembro do Diário de Notícias)

REVISOR: "O Tempo Que Resta"

2010-11-01T23:19:00.005Z

François Ozon mostra-nos neste filme os últimos dias da vida de um jovem fotógrafo, Romain (Melvil Poupaud), que descobre ter um cancro incurável em estado terminal. Inesperadamente, decide não só não se submeter à provação dos tratamentos (pois só um milagre desses que não existem poderia salvá-lo), como não dá notícia da sua situação clínica a ninguém senão à avó (Jeanne Moreau), que, perto da morte como está, sente ser a única pessoa capaz de compreender a sua desolação. Pelo meio surge ainda a personagem de Valeria Bruni-Tedeschi, uma empregada de café que pede a Romain que a engravide, dado que o marido é estéril. Contudo, a medula deste filme comovedor e sobriamente elegíaco encontra-se na visão da morte como um derradeiro estado de solidão e regressão. Os extras incluem uma entrevista com Poupaud gravada no IndieLisboa.

(texto originalmente publicado no Diário de Notícias)

“O TEMPO QUE RESTA”
(“LE TEMPS QUI RESTE”)
Realização: François Ozon
Intérpretes: Melvil Poupaud, Jeanne Moreau, Valeria Bruni-Tedeschi
Género: Drama
Origem: (França, 2005)
Editora: LNK
Classificação: (9/10)

IPSIS VERBIS

2010-11-01T11:17:00.000Z

«Encerro nos meus cinco pés e duas polegadas todas as incoerências, todos os contrastes possíveis, e aqueles que me julgam pródigo, obstinado, leviano, sem sequência nas ideias, fátuo, negligente, preguiçoso, descuidado, irreflectido, inconstante, tagarela, sem tacto, malcriado, descortês, esquisito, de humor desigual, terão tanta razão como os que poderiam dizer que eu sou económico, modesto, corajoso, tenaz, enérgico, despreocupado, trabalhador, constante, taciturno, cheio de delizadeza, cortês, sempre alegre; aquele que disser que sou poltrão não errará mais do que aquele que disser que sou extremamente corajoso, enfim, sábio ou ignorante, cheio de talento ou inepto; nada a meu respeito me espanta. Acabo por crer que não sou senão um instrumento com que as circunstâncias jogam.»

(palavras de Honoré de Balzac citadas por Stefan Zweig em Balzac)